Sculpture de torse masculin de Sippar

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L'histoire secrète des Hunky Male Beefcakes

Danny Fitzgerald et Les Demi Dieux, avec l'aimable autorisation de BigKugels Photographic.

Ce message contient de la nudité.

De la même manière que les magazines pornos sont souvent cachés sous des oreillers ou enfermés sur les étagères supérieures des placards, l'histoire de la photographie « beefcake » a été très secrète. Les photographes et les mannequins qui ont créé le travail hypermasculin et musclé des années 1940 jusqu'à l'ère pré-disco l'ont fait en catimini, esquivant souvent les lois strictes sur l'obscénité qui ont conduit certains d'entre eux en prison, les ont forcés à subir harcèlement et attaques, et les a presque tous cachés au fond du placard.

Pour Petra Mason, la rédactrice de Gâteau de boeuf 100 % saignant entièrement naturel, publié par Rizzoli, essayant de retrouver les images et, plus important encore, les détenteurs des droits d'auteur, s'est avéré être un peu comme tomber dans un terrier de lapin.

"Ce fut un voyage incroyable en termes de nombreux mois de recherche pour essayer de trouver les bonnes personnes", a déclaré Mason. « C'était en grande partie une histoire secrète, cachée dans des boîtes à chaussures ou sous des lits. Les photographes étaient tous des personnages fascinants de formes et de tailles variées qui étaient assez courageux pour risquer leur art en enfreignant la loi. Les mannequins le faisaient pour quelques dollars et ils ont été soit repérés au gymnase, soit sortis de la rue, il n'y a donc pas beaucoup de documentation à leur sujet.

En fin de compte, environ 50 photographes ont été inclus dans le livre, dont certains sont bien connus, dont Bob Mizer, et un certain nombre de photographes qui ont travaillé sous des pseudonymes liés à leurs emplacements : Bruce de Los Angeles, Douglas de Detroit et Lon de New-York.

À gauche : Lon de New York. À droite : Bruce de Los Angeles.

Les studios Champion de Walter Kundzicz, New York, 1963-64

Au cours de ses recherches, Mason a rencontré des collectionneurs sérieux qui possédaient une quantité importante d'œuvres et avaient également retrouvé de nombreux noms de modèles et de photographes.

"Les collectionneurs de gâteaux au bœuf prennent la collecte de gâteaux au bœuf plus au sérieux que les collectionneurs de gâteaux au fromage", a déclaré Mason. « Les hommes en général prennent la collection plus au sérieux, semble-t-il, un fait bizarre mais vrai. J'ai été sérieusement surpris de pouvoir discuter avec l'un des photographes originaux qui est toujours aussi fort, Chuck Renslow, dont je pense que les prises de vue de KRIS Studio sont vraiment chaudes. Chuck est une légende et sa collection se trouve maintenant dans les archives et le musée du cuir de Chicago, ce que je n'aurais jamais entendu autrement, une source incroyable de matériel pour une histoire très secrète.

Le livre divise les images en différentes catégories, notamment « Duals in the Sun », « Figure Studies », « Neptune’s Boys » et les « Cowboys and Indians » quelque peu grinçants. Alors que beaucoup de cheesecake sont souvent associés à une sensibilité gaie, en tant que femme hétérosexuelle, Mason a déclaré qu'elle pensait que le travail avait un attrait universel.

«Je pense que l'une des nombreuses choses que les médias et ailleurs nous rappellent constamment est ce que nous n'avons pas en commun, nous le faisons réellement. Il y a une appréciation partagée de la chaleur globale du matériau à laquelle il est difficile de résister pour quiconque. »

Lady Bunny, une légende du monde du drag qui a écrit la préface du livre, est d'accord sur l'attrait universel.

Les studios Champion de Walter Kundzicz, New York, 1963

"Je viens du Sud, il n'était donc pas rare de rencontrer des femmes mariées qui n'avaient jamais eu d'orgasme", a écrit Bunny par e-mail. « Les femmes n'étaient pas censées trop aimer le sexe, alors je me suis toujours réjouie lorsque je rencontrais des femmes qui pensaient au sexe comme le faisaient les hommes gais, c'est-à-dire qu'elles en voulaient beaucoup et se préoccupaient de la taille du pénis. Je pense que l'une des raisons Sexe et la ville était si populaire que c'était l'une des premières représentations de femmes objectivant les hommes pour changer. Peut-être que Petra était en avance sur son temps et objectivait les hommes depuis des lustres ! Ou, peut-être est-elle juste une salope qui a trouvé un moyen de mélanger les affaires avec le plaisir et d'appeler l'art du cochon ! Ça marche pour moi!"

Mason a ajouté que s'il y a certainement un aspect humoristique dans les images, surtout vu d'un point de vue moderne, il y a aussi un aspect profondément triste lié à l'histoire des photographies.

"Notre intention est de trouver un équilibre, de donner des informations historiques significatives parmi tous les magnifiques bonbons pour les yeux."


Les artistes féministes dont vous devez connaître le travail

Dans son sens le plus élémentaire, l'art féministe est l'art réalisé par des artistes créés consciemment à la lumière des développements de la théorie de l'art féministe au début des années 1970.

Déclenché par l'essai de l'historienne de l'art Linda Nochlin intitulé Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ? en 1971, elle a enquêté sur les facteurs sociaux et économiques qui avaient empêché les femmes talentueuses d'atteindre le même statut que leurs homologues masculins. En réaction à cela, de nombreuses femmes artistes ont commencé à créer des œuvres qui traitent de l'expérience féminine et cherchent de plus en plus à remettre en question les systèmes en place par le biais de l'activisme.

Nous explorons ici quelques-uns des artistes clés de cette époque et au-delà, ainsi que les artistes dont le travail a été un précurseur du mouvement.

Judy Chicago est une artiste américaine qui fut une figure clé du mouvement artistique féministe. Le travail de Chicago incorpore souvent des compétences artistiques féminines stéréotypées telles que la couture, contrebalancées par des compétences masculines stéréotypées telles que la soudure et la pyrotechnie.

Elle a créé l'une des œuvres les plus emblématiques de cette période. Titré Le dîner (1979), l'installation comprenait 39 couverts disposés le long d'une table triangulaire pour diverses femmes mythiques et historiques. La pièce fonctionnait comme une histoire symbolique des femmes dans la civilisation occidentale.

Cindy Sherman est une photographe et réalisatrice américaine et elle est surtout connue pour ses portraits conceptuels. Tout au long de sa carrière, elle a exploré l'identité et la nature de la représentation en s'inspirant du cinéma, de la télévision, des magazines et de l'histoire de l'art. Sherman travaille souvent comme son propre modèle et s'est capturée dans une gamme d'apparences et de personnages à la fois amusants et dérangeants, désagréables et percutants.

Travaillant depuis les années 1970, la photographe joue souvent avec les stéréotypes féminins, mais Sherman n'a jamais franchement dit qu'elle était une artiste féministe, elle veut plutôt que le travail parle d'elle-même. Elle a dit un jour : « Le travail est ce qu’il est et j’espère qu’il est considéré comme un travail féministe, ou un travail conseillé par les féministes…


Mouvements d'art contemporain Liste chronologique des styles et formes d'art postmodernistes

• Pour les 50 meilleurs lieux d'exposition, voir : Meilleures galeries d'art contemporain.
• Pour les 200 meilleurs artistes nés après 1945, voir : Top Contemporary Artists.

Dans cet article, nous listons les principales écoles et styles de "Art contemporain" qui a émergé à partir de la fin des années 1960. Parce que « l'art contemporain » a remplacé « l'art moderne », il est également appelé Art postmoderniste. Veuillez noter cependant que la transition du modernisme au postmodernisme a été progressive, qui a eu lieu durant la décennie des années 1960. Les deux styles ont donc coexisté pendant cette période.

De plus, veuillez noter que l'une des différences les plus importantes entre l'art moderne et postmoderne, concerne le déclassement du "produit fini". Le but de presque tous les artistes modernes, par exemple, était de créer une œuvre d'art unique et durable comme une peinture, une sculpture, un dessin ou tout autre type d'objet. En revanche, les artistes postmodernistes s'intéressent moins à ce type de produit et plus aux idées qui le sous-tendent. Cela aide à expliquer la croissance de nouveaux types d'art - tels que l'art de l'installation (y compris les installations sonores et vidéo), le conceptualisme (une large catégorie d'« idées d'art »), les happenings (type d'art de la performance), les installations vidéo, la projection mapping, et les terrassements extérieurs (constructions environnementales) - dans lesquels soit il n'y a pas de produit fini à proprement parler, soit il est transitoire et enregistré uniquement comme un « événement ». Fait révélateur, au cours des 20 dernières années, le Turner Prize for Contemporary Art a été remporté par 2 peintres, 0 sculpteurs et 10 artistes d'installation.

MOUVEMENTS D'ART CONTEMPORAIN

Pop Art (à partir des années 1960)

Pop Art était à la fois moderniste et contemporain. Il a commencé par dépeindre une réalité plus actuelle, en utilisant des images de stars de cinéma et d'autres célébrités, ainsi que des biens de consommation de masse. Mais cela a été rapidement éclipsé par une focalisation post-moderne croissante sur l'impact et le style. Voir par exemple notre petit guide du Pop Art des années 60 d'Andy Warhol.

Word Art/Peinture de mots (à partir des années 1960)

L'art des mots était une toute nouvelle forme de peinture ou de sculpture qui utilisait des images textuelles. Il a été associé à des artistes comme Robert Indiana (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), On Kawara (1932-2014), Barbara Kruger (née en 1945) et Christopher Wool (né en 1955).

Conceptualisme (à partir des années 1960)

Art conceptuel est un mouvement artistique postmoderniste fondé sur le principe que l'art est un « concept » plutôt qu'un objet matériel. C'est-à-dire que « l'idée » qu'une œuvre représente est considérée comme sa composante essentielle, et le « produit fini », s'il existe, est considéré essentiellement comme une forme de documentation plutôt que comme un artefact. Les origines du conceptualisme remontent à Dada et à l'artiste d'avant-garde du début du XXe siècle, Marcel Duchamp, mais ce n'est que dans les années 1960 qu'il est devenu un mouvement reconnaissable et a acquis un nom. L'art conceptuel a la capacité de livrer des idées assez puissamment, c'est pourquoi il a servi de véhicule populaire pour les commentaires socio-politiques. De plus, en minimisant le besoin de compétences picturales ou sculpturales - en fait, de tout savoir-faire artisanal - il conserve un côté subversif en remettant en cause toute la tradition d'une œuvre d'art en tant qu'objet unique et précieux. Certains experts soulignent le fait que l'ère postmoderne exige plus que l'expérience passive de « regarder » une œuvre d'art, et que le conceptualisme offre une expérience plus interactive. Que cette valeur ajoutée de divertissement aide une "idée" à se qualifier d'œuvre d'art, c'est plutôt douteux. Pour les œuvres de l'un des premiers artistes conceptuels d'Europe, veuillez consulter également : L'art postmoderne d'Yves Klein (1956-62).

Une illustration de ce problème est la grande collection de chaussures du Holocaust Museum à Washington, DC, qui appartenaient aux victimes des camps de concentration nazis. Il a été suggéré que cela a les caractéristiques d'une œuvre d'art conceptuelle, car passer devant l'énorme tas de chaussures nous aide à comprendre la réalité terrifiante des chambres à gaz. En effet, mais franchement, cela ne transforme pas les chaussures en une œuvre d'art, ni en aucun type de déclaration artistique. (Comparez l'art de l'Holocauste 1933-45.) C'est une déclaration politique ou historique. Ainsi, la difficulté pour le conceptualisme est de montrer comment il est qualifié d'art, par opposition au divertissement, au théâtre ou au commentaire politique.

Les représentants importants du conceptualisme incluent Sol LeWitt, Joseph Beuys, Felix Gonzales-Torres, Eva Hesse, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Barbara Kruger, Jean Tinguely et Lawrence Weiner. D'autres artistes associés au mouvement incluent Mel Bochner, Hanne Darboven, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hans Haacke, On Kawara et Les Levine.

Performance (à partir des années 1960)

Apparu en Amérique et en Europe au début des années 1960, Art de la performance est une forme d'art expérimentale inspirée de l'art conceptuel, ainsi que de Dada, du futurisme, du Bauhaus et (en Amérique) du Black Mountain College. La performance est généralement censée se caractériser par sa nature « vivante » - le fait que l'artiste communique directement avec le public - et son impact, qu'il soit amusant ou choquant, doit être mémorable. Un bon exemple est la série de machines autodestructrices - probablement les exemples les plus célèbres de l'art cinétique - créée par l'artiste suisse Jean Tinguely (1925-1991). Même ainsi, la différence exacte entre le théâtre innovant et l'art de la performance est difficile à détecter. De plus, son insistance à être étiquetée "art" - traditionnellement un événement bourgeois - se situe maladroitement à côté de son éthique anti-establishment.

Les performances incluent désormais des événements et des « happenings » d'artistes visuels, de poètes, de musiciens, de cinéastes, de vidéastes, etc. La fin des années 1960 et les années 1970 ont également vu l'apparition de "Body Art", un type de performance dans lequel la propre chair de l'artiste devient la toile et ensuite "performe" d'une manière convenablement choquante et digne d'intérêt (pour plus d'informations, voir ci-dessous). Au cours des années 1980, l'art de la performance s'est de plus en plus appuyé sur la technologie (vidéo, ordinateurs) pour délivrer son message « artistique ». Les artistes contemporains associés à ce genre incluent le pionnier Allan Kaprow (1927-2006), Yves Klein (1928-62), Gilbert & George (né en 1943, 1942) et l'extraordinaire Joseph Beuys (1921-86), qui a créé le performances innovantes Comment expliquer les images à un lièvre mort (1965). Un autre artiste novateur est le coréen-américain Nam June Paik (1932-2006), qui a commencé dans l'art de la performance avant de travailler avec la télévision et la vidéo, puis des installations.

Mouvement de flux (années 1960)

Fluxus était un groupe d'artistes d'avant-garde (son nom signifie "coulant" en latin) dirigé par le théoricien de l'art d'origine lituanienne George Maciunas (1931-78), qui est d'abord apparu en Allemagne avant de s'étendre à d'autres capitales européennes puis à New York, qui devient le centre de ses activités. Ses objectifs déclarés - un mélange déroutant de formes d'art "révolutionnaires" et "anti-art" - perpétuent les traditions de Dada, en se concentrant sur les Happenings (connus sous le nom d'Aktions en Allemagne) et divers types d'art de rue. Les principaux membres comprenaient l'artiste conceptuel allemand Joseph Beuys, le conceptualiste d'origine japonaise Yoko Ono et l'artiste allemand de performance et de vidéo Wolf Vostell (né en 1932). Le but ultime de Maciunas était de se débarrasser de tous les beaux-arts au motif qu'il s'agissait d'un gaspillage de ressources et à peine plus qu'une indulgence bourgeoise. Les artistes de Fluxus ont collaboré pour mélanger différents médias (visuels, littéraires, musicaux) dans un certain nombre d'"événements", impliquant des installations, des happenings, des photographies et des films. Les festivals d'art contemporain Fluxus se sont tenus tout au long des années 60 à Amsterdam, Copenhague, Düsseldorf, Londres, Paris et New York. Voir aussi l'actionnisme viennois, sous Body Art, ci-dessous.

Installation (à partir des années 1960)

Installation d'art est une nouvelle forme d'art qui a attiré l'attention aux États-Unis dans les années 1960, bien que l'idée remonte aux expositions surréalistes créées par Marcel Duchamp et d'autres, lorsque les œuvres d'art ont été agencées pour former un environnement complexe et fascinant. Le peintre et designer russe El Lissitzky était un autre pionnier dont la "salle Proun" de 1923 à la gare de Berlin était un des premiers types d'installation, tout comme la salle remplie Merzbilder constructions de Kurt Schwitters (1887-1948). D'autres exemples plus récents incluent les "Environnements spatiaux" de Lucio Fontana dans les années 1950 et l'exposition "Le Vide" (Le Vide) d'Yves Klein de 1958, qui était une salle de galerie vide. Aussi, dans les années 1960, le Groupe Recherche d'Art Visuel créé les premières installations sous la forme d'environnements lumineux cinétiques. Une installation occupe généralement un espace entier, comme une pièce ou une zone plus grande, et se compose de plusieurs composants différents. Le sculpteur américain Ed Kienholz a utilisé des voitures et du mobilier institutionnel dans les années 1960, pour présenter une installation commentant la mort et les problèmes sociaux. Son collègue sculpteur George Segal a utilisé des figures en plâtre grandeur nature représentées dans des décors quotidiens (comme attendre une rame de métro) pour commenter le banal. D'autres artistes d'installation récents ont inclus Rebecca Horn, Bruce Nauman, Christian Boltanski, Richard Wilson et Tracey Emin. Voir aussi l'art d'installation LED - une forme d'art cinétique - par Tatsuo Miyajima (né en 1957).

Installations vidéo (à partir des années 1960)

Dans les années 1960, les artistes ont commencé à exploiter le médium de la vidéo pour tenter de redéfinir l'art. Un certain nombre d'artistes vidéo, par exemple, ont remis en question l'idée préconçue de l'art comme étant intuitif, coûteux et uniquement apprécié par l'élite de la société. D'autres ont utilisé la vidéo pour démolir l'idée que l'art est une marchandise - un "produit fini" unique - en faisant de leur art vidéo une "expérience" (plutôt que quelque chose à posséder), ou un outil de changement, un support d'idées. La vidéo permet également à l'artiste de révéler le processus réel de création artistique. En règle générale, les installations vidéo combinent la vidéo avec une bande sonore et/ou de la musique, et peuvent impliquer d'autres dispositifs interactifs, tirant pleinement parti de l'environnement environnant pour stimuler le public. Les pionniers de l'installation vidéo incluent : Nam June Paik (1932-2006) dont les arrangements des années 1960 impliquaient généralement plusieurs écrans de télévision dans des arrangements sculpturaux ainsi qu'Andy Warhol (1928-87), Peter Campus (né en 1937), Wolf Vostell (né en 1932 ), Bill Viola (né en 1951), Gary Hill et Tony Oursler. En Grande-Bretagne, les artistes vidéo incluent : Laure Prouvost, Elizabeth Price, Jeremy Deller, Steve McQueen, Gillian Wearing, Douglas Gordon, Sam Taylor-Wood, David Hall et Tony Sinden, entre autres.

Minimalisme (à partir des années 1960)

Emergeant en Amérique dans la seconde moitié des années 60, Minimalisme/Art minimal est une forme raffinée d'art abstrait qui a succédé à l'abstraction post picturale (un type d'expressionnisme abstrait tardif) pour devenir un style influent dans le monde entier dans la sculpture, la peinture et l'architecture. Dans le domaine des beaux-arts, le minimalisme se caractérise par une extrême simplicité de forme et un manque délibéré de contenu expressif. Les objets sont présentés sous leur forme élémentaire, géométrique, totalement dépourvue d'émotion. Les œuvres minimalistes (de sculpture et de peinture) sont souvent composées d'éléments uniformes nus constituant une sorte de grille ou de motif. La régularité est presque indispensable pour minimiser tout reflet d'expressionnisme.

Le minimalisme était l'étape finale du développement logique de l'expressionnisme abstrait, dont le style est passé de la gestuelle (peinture d'action) au travail au plan (peinture sur champ de couleur) aux plans et motifs géométriques bien définis (peinture à bords durs) à l'art minimal. En cours de route, il a progressivement abandonné tout sentiment et toute émotion, jusqu'à ce qu'il parvienne à une forme austère et impersonnelle de soi-disant pureté ou vérité artistique. Reste l'idée intellectuelle de la pièce : il n'y a pas d'émotion. C'est pourquoi le minimalisme est proche du conceptualisme - tous deux concernent l'idée ou le concept de base de l'œuvre créée.

Les sculpteurs minimalistes importants incluent Carl Andre (né en 1935), Don Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (né en 1931), Richard Serra (né en 1939) et Tony Smith (1912-80 ).Les peintres minimalistes incluent Agnes Martin (1912-2004), Ad Reinhardt (1913-67), Ellsworth Kelly (né en 1923), Kenneth Noland (né en 1924), Robert Ryman (né en 1930) et Frank Stella (né en 1936) .

Art photo-réaliste (Hyperréalisme) (années 1960, 1970)

Photoréalisme était un style de peinture apparu à la fin des années 1960, dans lequel les sujets (personnes ou scènes urbaines) sont peints de manière très détaillée, ressemblant à des photographies. La plupart des praticiens travaillent directement à partir de photographies ou d'images informatiques numériques, et le sujet est assez banal et sans intérêt particulier. Au lieu de cela, l'accent est mis sur la précision et les détails obtenus par l'artiste, et son impact sur le spectateur. Le réalisme photographique a été largement inspiré par le Pop-Art - le sujet banal était commun aux deux, et certains artistes (par exemple Malcolm Morley et Mel Ramos) ont utilisé les deux styles. Cependant, le photo-réalisme manque de l'humour fantasque ou ironique du Pop-Art et peut même être légèrement dérangeant. De plus, paradoxalement, ses détails microscopiques et indiscriminés peuvent en fait créer un effet légèrement " irréel ". Les principaux membres du mouvement super-réaliste incluent Richard Estes - qui se spécialise dans les scènes de rue contenant des reflets de verre complexes - et Chuck Close, qui excelle dans les images monumentales de visages sans expression. Parmi les autres peintres hyperréalistes figurent Robert Bechtle, Audrey Flack, Ralph Goings et John Doherty. Les sculpteurs hyperréalistes incluent Duane Hanson (1925-96), John de Andrea (né en 1941), Carole Feuerman (née en 1945), Ron Mueck et Robert Gober.

Travaux de terrassement (art terrestre ou environnemental) (années 1960, 1970)

Land-art, qui a émergé en grande partie aux États-Unis au cours des années 1960, utilise ou interagit avec le paysage afin de créer des formes artistiques ou des "événements". matériaux. Les pionniers de cette forme d'art sont Robert Smithson, Richard Long et Andy Goldsworthy, ainsi que les interventionnistes Christo et Jeanne-Claude. Notez que le Land art est assez différent des monuments artificiels tels que Stonehenge. Ce dernier a été érigé pour sa signification cérémonielle ou religieuse et n'est pas considéré comme un élément du terrain. Même les célèbres portraits présidentiels du mont Rushmore, bien qu'ils soient clairement des œuvres d'art, ne sont pas considérés comme du Land art car ils ne célèbrent pas la terre mais les images qui en sont faites. Pour des styles similaires, veuillez consulter Mouvements artistiques, périodes, écoles (à partir d'environ 100 avant notre ère).

Photographie Contemporaine (à partir des années 1960)

Jusqu'au début des années 1960, la photographie a été poussé par le pictorialisme et la photographie de portrait. Depuis lors, la photographie documentaire, la photographie de mode de plus en plus complexe et le genre croissant de la photographie de rue ont été les principaux moteurs. Les portraits contemporains de célébrités sont également populaires. Les photographes contemporains impliqués dans le photojournalisme incluent Don McCullin (né en 1935) et Steve McCurry (né en 1950) tandis que les meilleurs photographes de mode incluent Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (né en 1938), Nick Knight (né en 1958). et David LaChapelle (né en 1963). La photographie de rue est illustrée par Garry Winogrand (1928-1984) et Nan Goldin (née en 1953), tandis que le portrait postmoderne est illustré par Diane Arbus (1923-1971) et Annie Leibovitz (née en 1949).

Sous le nom de "poor art" par le critique italien Germano Celant (qui a également écrit un livre influent intitulé "Arte Povera : Conceptual, Actual or Impossible Art"), Arte Povera était un style d'art anti-commercial qui se préoccupait principalement des qualités physiques des matériaux utilisés. Ce dernier se compose généralement de choses ordinaires ou sans valeur, telles que des morceaux de journaux, de vieux vêtements, de la terre, des fragments de métal, etc., bien qu'en pratique des matériaux assez élaborés et coûteux soient parfois utilisés (!). L'Arte Povera a été initié par un groupe d'artistes d'avant-garde en Italie, dont les membres comprenaient : Piero Manzoni (1933-63), Mario Merz (1925-2003), Michelangelo Pistoletto (né en 1933), Pino Pascali (1935-68) , Jannis Kounellis (né en 1936), Luciano Fabro (né en 1936), Gilberto Zorio (né en 1944) et Giuseppe Penone (né en 1947). Une autre figure importante était le marchand d'art et promoteur turinois Enzo Sperone.

Supports-Surfaces (c.1966-72)

Supports-Surfaces était un groupe conceptualiste de jeunes artistes français de gauche qui ont exposé ensemble d'environ 1966 à 1972. (Le nom a été choisi assez tardivement pour leur spectacle "Animation, Recherche, Contrainte" au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris). Les membres du groupe comprenaient Andre-Pierre Aarnal, Vincent Bioules, Louis Cane, Marc Devade, Daniel Dezeuze, Noel Dolla, Toni Grand, Bernard Pages, Jean-Pierre Pincemin, Patrick Saytour, Andre Valensi et Claude Viallat. Le groupe visait à dépouiller l'art de ses qualités symboliques et romantiques - à libérer l'art de la tyrannie du goût, de la banalité de l'expressionnisme, de la sentimentalité du surréalisme tardif et de la pureté de l'art concret, comme ils l'ont dit - et ainsi ils ont déconstruit l'acte de la peinture à sa propriétés physiques essentielles - la toile et les châssis (cadres). Remarqué pour ses expositions itinérantes en plein air, le groupe a utilisé une variété de matériaux inhabituels dans leurs œuvres, tels que des pierres, du tissu ciré, du carton et de la corde, et les œuvres elles-mêmes étaient souvent pliées, écrasées, brûlées ou teintes et exposées au sol ou suspendues. sans cadre. Ils ont publié de nombreux traités explicatifs et des affiches pour tenter d'expliquer leurs actions, et publié un journal régulier "Peinture/Cahiers Théoriques." En général, leurs œuvres peuvent être interprétées comme une variante du conceptualisme.

Terme utilisé dans son sens étroit pour désigner un style de peinture américain qui a émergé à la fin des années 1960 et au début des années 1970, dans les œuvres de divers artistes, tels que Philip Pearlstein, Neil Wellilver et William Bailey. Il se caractérise par des œuvres figuratives exécutées dans un style objectif brut, sans les distorsions de l'interprétation cubiste ou expressionniste. Les réalistes contemporains ont délibérément rejeté l'art abstrait, choisissant plutôt de représenter des sujets terre-à-terre d'une manière naturaliste simple.

Dans son sens le plus large, le terme de réalisme contemporain englobe tous les peintres et sculpteurs d'après 1970 qui se concentrent sur l'art figuratif, où l'objet est de dépeindre le « réel » plutôt que l'idéal. Ainsi, les peintures de genre ou les œuvres figuratives dont les sujets sont représentés (par exemple) sous un jour romantique ou nostalgique sont exclus de ce genre. Il n'y a pas d'école générale de réalisme contemporain en tant que telle, et de nombreux artistes - y compris des abstractionnistes - ont expérimenté cette approche plus traditionnelle. Le représentant le plus intéressant du réalisme contemporain est peut-être le maître figuratif Lucian Freud (1922-2011), dont les puissantes études sur le corps humain parviennent à transmettre à la fois la dureté et l'amour. Pour les styles antérieurs de la peinture réaliste, voir Mouvements d'art moderne (1870-1970).

Post-minimalisme (à partir de 1971)

Un mot à la mode utilisé pour la première fois par le critique d'art américain Robert Pincus-Witten lorsqu'il a qualifié les œuvres d'Eva Hesse de "post-minimalisme" dans Artforum en 1971. Hesse, avec d'autres artistes, a réagi contre le formalisme rigide et impersonnel de l'art minimal en se concentrant sur le physique et les processus créatifs impliqués. Ce nouveau style, connu sous le nom de "Art de processus", était hautement transitoire et utilisait des matériaux instables qui se condensaient, s'évaporaient ou se détérioraient sans que l'artiste n'ait aucun contrôle. C'est devenu une tendance à la suite de deux expositions en 1969 : "When Attitudes Become Form" à la Berne Kunsthalle et "Procedures/Materials" au Whitney Museum of American Art de New York. Les artistes post-minimalistes éminents, ainsi que Hesse, comprenaient le sculpteur américain Richard Serra et l'artiste conceptuel d'origine allemande Hans Haake.

Dans un sens plus large, cependant, le post-minimalisme (comme le post-impressionnisme) englobe un certain nombre de styles différents, ainsi que des types de peinture, de sculpture et d'autres formes d'art contemporain, qui ont succédé au minimalisme à la fin des années 1960 et dans les années 1970, et qui utilisent comme point de référence esthétique ou conceptuel à partir duquel se développer. En termes très simples, alors que les artistes minimalistes ont commencé à adopter une approche plus conceptuelle de leur art et se sont concentrés sur la transmission d'une seule vérité, ils sont progressivement passés au post-minimalisme. En effet, de nombreux artistes conceptuels sont souvent qualifiés de post-minimalistes. Si cela vous semble trop compliqué, ne vous inquiétez pas : nous sommes maintenant sur un terrain théorique sérieux, impliquant des questions épistémologiques et ontologiques qui nécessitent une maîtrise pour comprendre. Qu'il suffise de dire que le post-minimalisme (un peu comme le post-modernisme) déplace l'objectif de l'art de la forme à l'image. Comment quelque chose est fait et communiqué devient aussi important que ce qui est créé.

Art féministe (à partir du milieu des années 1960)

Art féministe - l'art fait par des femmes sur les problèmes des femmes - a émergé vers la fin des années 1960 et a exploré ce que c'était d'être une femme ET un artiste dans un monde dominé par les hommes. Il est d'abord apparu en Amérique et en Grande-Bretagne, où divers groupes artistiques féministes se sont inspirés du mouvement de libération des femmes, avant de se répandre à travers l'Europe. En comparaison avec les sujets élitistes formels et impersonnels poursuivis par les artistes masculins d'avant-garde, le travail des femmes artistes offrait une émotion et une expérience de la vie réelle. Les artistes féministes britanniques et américaines ont employé des formes symboliques intrinsèquement féminines, élevant le statut des matériaux et des pratiques dits « féminins ». Ils ont abordé des questions fondamentales liées au genre, telles que l'accouchement, la maternité et la séduction forcée, ainsi que des préoccupations plus larges telles que le racisme et les conditions de travail. Un style spécifique d'art féminin, le mouvement Pattern and Decoration, est né en Californie dans les années 1970, composé en grande partie d'artistes femmes. Ils ont réagi contre l'austérité sévère de Minimalizm en juxtaposant des motifs identiques ou similaires et en produisant des fusions intenses de couleurs et de textures en utilisant des techniques artisanales traditionnelles, comme le tissage, les découpes de papier et le patchwork. Leur belle utilisation de la couleur a été inspirée par le mouvement fauve français du Paris des années 1900, tandis que leurs motifs géométriques et floraux étaient tirés de l'art islamique, extrême-oriental, celtique et persan. Parmi les artistes féministes de premier plan, citons les Américaines Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Antin (née en 1935), Joan Jonas (née en 1936), Judy Chicago (née en 1939). Mary Kelly (née en 1941), Barbara Kruger (née en 1945) et Miriam Schapiro (1923-2015), l'artiste suédoise Monica Sjoo, l'artiste anglaise Margaret Harrison (née en 1940), pour n'en citer qu'une poignée. Dans les arts plastiques, l'une des grandes sculptrices féministes fut Louise Bourgeois (1911-2010).

Nouvelle subjectivité (années 1970)

"Nouvelle subjectivité" était le titre donné par le conservateur et historien de l'art français Jean Clair, à une exposition internationale en 1976 à la Musée National d'Art Moderne au Centre Pompidou à Paris. L'exposition présentait des œuvres d'artistes modernes américains, britanniques et européens qui rejetaient l'abstraction et le conceptualisme dominants dans l'art moderne en faveur d'un retour à la représentation de la réalité des choses, bien que de manière moderne. Dans leurs peintures, ils se préoccupaient d'une observation attentive du monde réel.

Les exposants de la nouvelle subjectivité ont utilisé tous les formats de toile, du monumental au petit format, et ont travaillé à l'acrylique, à l'huile et à l'aquarelle, ainsi qu'aux crayons de couleur et aux pastels. Dans leur retour à la figuration et à leur représentation de la nature, ils ont représenté des vues de jardins, de champs, de piscines, des portraits et des natures mortes. Typiquement, ils étaient des dessinateurs qualifiés et des peintres de formation académique, et ont construit leurs peintures selon les règles traditionnelles de la Renaissance de la perspective linéaire et aérienne. Parmi les artistes éminents associés à la nouvelle subjectivité figuraient l'artiste anglais David Hockney, l'artiste américain (actif en Angleterre) R B Kitaj, l'artiste suisse Samuel Buri et les artistes français Olivier O Olivier, Christian Zeimert, Michel Parre et Sam Szafran.

Terme utilisé par le peintre américain RB Kitaj dans le catalogue d'une exposition qu'il a organisée, en 1976 à la Hayward Gallery de Londres, alors que le minimalisme et le conceptualisme étaient à la mode. L'exposition, intitulée "Human Clay", se concentrait exclusivement sur les œuvres figuratives du dessin et de la peinture, et dans la brochure RB Kitaj a inventé l'expression "École de Londres" pour désigner les artistes individuels dont les œuvres étaient exposées. Depuis lors, le terme London School a été utilisé pour désigner le groupe d'artistes associés à la ville à cette époque, qui ont continué à pratiquer des formes de travail figuratif, face à l'establishment d'avant-garde. Les principaux artistes impliqués dans cette école londonienne comprenaient Michael Andrews, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (bien que vivant en réalité en Amérique), Howard Hodgkin, Frank Auerbach et Leon Kossoff. Alors que l'art minimal et conceptuel commençait à s'estomper à la fin des années 1970, une nouvelle génération de peintres et sculpteurs figuratifs a commencé à apparaître, qui ont pris un regain d'intérêt pour le travail de l'école. (Pour un bref guide des peintres modernes en Grande-Bretagne, voir : Contemporary British Painting.)

Graffitis (à partir des années 1970)

Également connu sous le nom de "Street Art", "Spraycan Art" et "Aerosol Art", Graffitis est un style de peinture associé au hip-hop, un mouvement culturel qui a pris naissance dans diverses villes américaines, en particulier dans les rames de métro de New York, au cours des années 1970 et 1980. Les B-boys, la première génération de hip-hop ont exprimé les frustrations des minorités urbaines dans leur tentative de créer leur propre forme d'art, non commerciale qui ne cherche pas à plaire au grand public. Ils employaient des pochoirs, des marqueurs et des bombes aérosols, et écrivaient avec de la peinture industrielle en aérosol et de l'acrylique sur tous types de supports : pierre, plâtre, métal, bois et plastique. Leurs « canvas » étaient des rames de métro, des murs dans des zones urbaines et des friches industrielles, des métros, des toits et des panneaux d'affichage. Au cours des années 1970, le Graffiti Art s'est répandu en Europe et au Japon et a finalement traversé la rue pour pénétrer dans la galerie. (Voir la biographie de Banksy, l'artiste de pochoir graffiti le plus célèbre de Grande-Bretagne.) Le cœur du mouvement était cependant la ville de New York.

À New York, un des premiers pionniers, connu sous son étiquette TAKI 183, était un jeune de Washington Heights. Les premières femmes graffeurs étaient Barbara 62 et Eva 62. À partir de 1971, les artistes ont commencé à adopter des styles calligraphiques caractéristiques pour distinguer leur travail, et ont également commencé à s'introduire dans les dépôts de métro afin d'appliquer leur étiquette sur les côtés des trains - un processus appelé "bombardement" - avec un effet maximal. Le train est ainsi devenu leur « galerie » en montrant leur travail à travers la ville. La taille et l'échelle de Mots clés également augmenté conduisant en 1972 à la production de soi-disant "chefs-d'œuvre" ou "pièces" par un pulvérisateur de graffiti connu sous le nom de Super Kool 223. Un autre développement a impliqué l'inclusion de dessins comme des pois, des dames et des hachures, et bientôt "De haut en bas" - des œuvres couvrant toute la hauteur d'une voiture de métro - ont commencé à apparaître, ainsi que des décors et des personnages de dessins animés. Peu à peu, le monde de l'art traditionnel a commencé à en prendre note. Les United Graffiti Artists (UGA), un groupe fondé en 1972 par Hugo Martinez, a élargi son effectif pour inclure de nombreux graffeurs de premier plan, en vue de montrer des œuvres dans des lieux officiels, comme la Razor Gallery. Au milieu des années 1970, la plupart des normes créatives en matière d'écriture de graffiti étaient déjà établies et le genre a commencé à stagner. La NYC Metro Transit Authority a également lancé une double campagne pour sécuriser les dépôts et effacer les graffitis de manière continue. En conséquence, les tagueurs ont abandonné le métro et sont descendus dans la rue, où leur art statique était nécessairement beaucoup moins exposé. À la fin des années 80 et dans les années 90, de plus en plus d'artistes ont commencé à exposer leurs œuvres dans des galeries et à louer des studios d'art, une pratique qui avait déjà commencé quelques années plus tôt avec des tagueurs comme Jean-Michel Basquiat - aujourd'hui l'un des meilleurs artistes contemporains au monde - qui a abandonné sa signature SAMO (Same Old Shit), en faveur des opportunités grand public. Parmi les autres graffeurs célèbres, citons Keith Haring (1958-90), Banksy (né en 1973-4) et David Wojnarowicz (1954-92). Le graffiti est une forme du mouvement "Street Art" plus large, un style d'art brut créé en dehors du cadre des lieux d'art traditionnels. Il comprend des graffitis au pochoir, des affiches ou des autocollants, des œuvres d'art pop-up et des installations de rue, y compris les dernières projections vidéo, les bombardements de fils et les sculptures Lock-On. Le Street Art est parfois appelé "urban art", "guerilla art", "post-graffiti" ou "neo-graffiti".

Pour une liste des 30 meilleures expositions, biennales et foires d'art postmoderne, veuillez consulter : Meilleurs festivals d'art contemporain.

Néo-expressionnisme (à partir de la fin des années 1970)

L'un des nombreux styles du postmodernisme, Néo-expressionnisme est un large mouvement de peinture qui est apparu vers 1980, en réponse à la stagnation du minimalisme et de l'art conceptuel, dont l'intellectualisme et la "pureté" de l'auto-style avaient dominé les années 1970 mais commençaient maintenant à énerver de nombreux artistes. Les néo-expressionnistes ont défendu la pratique très démodée de la peinture d'art (condamnée comme « morte » par les postmodernistes) et ont soutenu tout ce que les modernistes avaient tenté de discréditer : la figuration, l'émotion, le symbolisme et le récit. Ils utilisent des couleurs sensuelles et incorporent des thèmes associés à de nombreux styles et mouvements historiques, tels que la Renaissance, le maniérisme, le cubisme, le fauvisme, le surréalisme, l'expressionnisme abstrait et le pop-art. Sans surprise, en Allemagne, le néo-expressionnisme a été fortement influencé par les premiers groupes expressionnistes allemands comme Der Blaue Reiter et Die Brucke.

Le mouvement a embrassé la nouvelle peinture en Allemagne par des artistes comme Georg Baselitz (né en 1938), Jorg Immendorf, Anselm Kiefer, AR Penk, Sigmar Polke et Gerhard Richter, ainsi que des œuvres du "Réalistes laids" comme Markus Lupertz. Il couvrait également le Neue Wilden (New Wild Ones, une référence au style du fauvisme des années 1900 ou aux « bêtes sauvages ») dont les membres comprenaient Rainer Fetting. À la suite d'expositions internationales comme "A New Spirit in Painting" (London Royal Academy, 1981) et "Zeitgeist" (Berlin, 1982), le terme néo-expressionnisme a commencé à être appliqué à d'autres groupes, comme Figuration libre en France, Transavanguardia en Italie, le "Nouveaux peintres d'images" et le soi-disant "Mauvais peintres." En Amérique, le style, bien que populaire, n'a pas produit le même calibre de travail, à l'exception d'artistes comme Philip Guston (1913-80), Julian Schnabel, David Salle et d'autres.En Grande-Bretagne, le style est illustré par les nus rubenesques de Jenny Saville, qui remettent en question les notions de conventionnalité dans la taille et la forme du corps humain. La montée du mouvement a conduit à la réhabilitation de plusieurs artistes travaillant dans une veine similaire. Ceux-ci comprenaient les Américains Louise Bourgeois, Leon Golub et Cy Twombly et l'artiste britannique Lucian Freud, dont toutes les œuvres ont été qualifiées de néo-expressionnistes. L'étiquette a également été appliquée à la sculpture. Les œuvres de sculpteurs comme l'américain Charles Simonds, les artistes britanniques Anish Kapoor et Rachel Whiteread, la tchèque Magdalena Jetelova, l'allemande Isa Genzken et la sculptrice polonaise Magdalena Abakanowitz, contiennent toutes des éléments expressionnistes. En architecture, le terme expressionniste a été appliqué à des bâtiments tels que l'opéra de Sydney et le musée Guggenheim de Bilbao. Pour plus d'informations, veuillez consulter : Histoire de la peinture expressionniste (1880-1930) et du mouvement expressionniste (à partir des années 1880).

Transavanguardia (Trans-avant-garde) (à partir de 1979)

Le critique d'art italien Achille Bonito Oliva a utilisé le terme "Transavanguardia" (au-delà de l'avant-garde) dans le magazine Flash Art en octobre 1979, en faisant référence au néo-expressionnisme international. Mais depuis lors, il n'a été utilisé que pour décrire le travail des artistes italiens travaillant dans le style dans les années 1980 et 1990. Ils comprennent Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi et Mimmo Paladino. Les artistes transavant-gardistes ont utilisé une peinture libre et figurative, avec des références nostalgiques à la Renaissance et à son iconographie. Ils ont peint des œuvres à grande échelle à l'huile, y compris des portraits réalistes et imaginaires, des peintures d'histoire religieuse et allégorique, et se sont également inspirés du symbolisme ainsi que de la palette de couleurs du fauvisme. Chia a incorporé le maniérisme italien, le cubisme, le futurisme et le fauvisme dans ses œuvres religieuses narratives Paladino a composé de grandes images mythologiques avec des motifs géométriques et figuratifs Cucchi a produit des scènes romantiques de géants et de montagnes, inspirées du surréalisme, et a incorporé l'utilisation d'objets supplémentaires, en métal ou de l'argile, dans ses œuvres peintes, Clemente était connu pour ses autoportraits et ses œuvres figuratives intimes. Leur inclusion dans des expositions majeures à la Kuntshalle de Bâle et à la Biennale de Venise en 1980, et à la London Royal Academy en 1981, a conduit à des expositions personnelles en Europe et en Amérique ainsi qu'à une montée en puissance rapide de l'importance de l'école.

Britart : jeunes artistes britanniques (années 1980)

Les Jeunes artistes britanniques (YBA) sont apparus pour la première fois dans les années 1980 et ont été officiellement reconnus en 1997 dans le "Sensation" exposition. En raison d'une grande partie des styles du début du 20e siècle tels que Dada et le surréalisme, leur travail est souvent appelé "Britart". . Ses membres ont acquis une couverture médiatique considérable pour leurs œuvres d'art choquantes et ont dominé l'art britannique au cours des années 1990. Les membres célèbres incluent Damien Hirst (connu pour L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant, un requin tigre mort mariné dans du formaldéhyde, et dernièrement pour son crâne clouté de diamants Pour l'amour de Dieu) et Tracey Emin (remarquée pour Mon lit, un lit double échevelé avec des détritus très personnels).

On peut soutenir que de nombreux YBA n'auraient jamais réussi sans le mécénat et la promotion de leurs œuvres par le collectionneur d'art contemporain Charles Saatchi, qui a rencontré Damien Hirst pour la première fois à l'exposition étudiante "Freeze" du Goldsmiths College 1988, qui présentait 16 YBA. Saatchi a acheté de nombreuses œuvres exposées. Deux ans plus tard, Hirst a organisé deux autres émissions YBA influentes, "Modern Medicine" et "Gambler". Saatchi a assisté aux deux expositions et a acheté d'autres œuvres. En 1992, Saatchi n'était pas seulement le principal mécène de Hirst, il était également le plus grand sponsor d'autres jeunes artistes britanniques - dont un deuxième groupe était apparu, via des émissions comme "New Contemporaries""New British Summertime" et "Minky Manky", et comprenait des artistes comme Tracey Emin. Entre-temps, la récession économique en Grande-Bretagne s'est aggravée, provoquant l'effondrement du marché de l'art contemporain à Londres. En réponse, Saatchi a organisé une série d'expositions dans sa galerie Saatchi, faisant la promotion du nom « Young British Art » à partir duquel le mouvement a acquis rétrospectivement son identité. Le premier présentait le travail de Sarah Lucas, Mark Wallinger, Rachel Whiteread et bien sûr Damien Hirst, dont le requin mort est rapidement devenu le symbole iconique de Britart à travers le monde.

En 1993, l'YBA Rachel Whiteread remporte le Turner Prize, suivi en 1995 par Damien Hirst. En 1997, les jeunes artistes britanniques se sont généralisés lorsque la London Royal Academy, en collaboration avec Saatchi, a organisé "Sensation", une exposition définitive d'art YBA, au milieu d'une controverse non négligeable. Il a ensuite voyagé au Brooklyn Museum of Art à New York. En 1999, l'œuvre de Tracey Emin "My Bed" a été nominée pour le Turner Prize, tandis qu'en 2000, les expositions YBA ont été incluses dans la nouvelle Tate Modern, ce qui a confirmé la réputation établie du groupe.

Certains YBA éminents incluent : James Rielly (portraits), Keith Coventry (peintre abstrait), Simon Callery (vues urbaines), Martin Maloney (peintre expressionniste), Gary Hume (minimaliste), Richard Patterson (super-abstrait), Fiona Rae (résumé , Pop-art), Marcus Harvey (œuvres figuratives expressionnistes), Ian Davenport (abstraction géométrique), Glenn Brown (sculpteur et peinture expressionniste) et Jenny Saville (corps féminins de style expressionniste), dont plusieurs lauréats du prix Turner (1984 -2014).

Conception déconstructiviste (1985-2010)

Déconstructivisme est une forme « anti-géométrique » de l'architecture du 20e siècle qui est apparue pour la première fois à la fin des années 1980, en Californie et en Europe. Largement facilitée par les logiciels informatiques développés par l'industrie aérospatiale, l'architecture déconstructiviste épouse une approche non rectiligne de la conception qui déforme souvent l'extérieur d'une structure. Le déconstructivisme a été lancé par le canado-américain Frank O. Gehry (né en 1929), l'un des architectes américains les plus novateurs de l'ère postmoderne. Parmi les autres praticiens célèbres, citons Peter Eisenman, le cabinet Coop Himmelb(l)au, Rem Koolhaas et Daniel Libeskind. Les bâtiments déconstructivistes les plus connus sont : le musée Guggenheim (Bilbao), le bâtiment Nationale Nederlanden (Prague) et The Experience Music Project (Seattle), tous conçus par Frank Gehry UFA-Palast (Dresde), conçu par Coop Himmelb(l) au et Seattle Library conçu par Rem Koolhaas. Voir aussi : Design Art c.1850-1970.

À la fin des années 1960, un type d'art de la performance est apparu, appelé Art corporel, dans laquelle le propre corps de l'artiste est devenu pour ainsi dire la "toile" d'une œuvre d'art passive, ou qui "s'exécute" alors de manière choquante. Les formes les plus typiques d'art corporel passif sont Body painting, tatouages, nail art, piercings, maquillage, marquages ​​ou implants. Les types d'art corporel les plus actifs liés à la performance, dans lesquels les artistes abusent de leur propre corps comme moyen de transmettre leur « message artistique » particulier, peuvent inclure la mutilation, la consommation de drogue, une activité physique extrême ou une endurance extrême à la douleur. Un groupe de performance controversé était le Vienna Action Group, fondé en 1965 par Gunter Brus, Otto Muhl, Herman Nitsch et Rudolf Schwartzkogler. D'autres artistes célèbres du corps incluent Michel Journiac (1935-1995), Ketty La Rocca (1938-76), Vito Acconci (b.1940), Ulay (Frank Uwe Laysiepen) (b.1943) et l'extraordinaire artiste serbe Marina Abramovic (b .1946).

La Néo-Zélandaise Joanne Gair (née en 1958) est l'une des principales peintres corporelles. Célèbre pour ses peintures corporelles en trompe-l'œil et son art du maquillage, elle est surtout connue pour l'un de ses nus féminins artistiques, intitulé "Demi Moore's Birthday Suit" - qui figurait sur la couverture de Salon de la vanité magazine en août 1992. Il a été photographié par la photographe contemporaine Annie Leibovitz (née en 1949).

Réalisme cynique chinois (années 1990)

Réalisme cynique - un terme inventé pour la première fois par le critique d'art et conservateur très influent Li Xianting (né en 1949) comme un jeu délibéré sur le style officiellement sanctionné du réalisme socialiste - décrit un style de peinture adopté par un certain nombre d'artistes de Pékin après 1989 morosité suite à la répression de la manifestation de la place Tiananmen. Sa critique ironique, parfois très satirique de la société contemporaine en Chine, a fortement impressionné les collectionneurs d'art occidentaux, bien qu'elle ait été et soit considérée avec ambivalence par les critiques d'art chinois, qui se sentent mal à l'aise avec sa renommée en Occident. Les artistes associés au réalisme cynique sont : Yue Minjun (né en 1962), Fang Lijun (né en 1963) et Zhang Xiaogang (né en 1958), qui ont tous vendu des peintures pour plus d'un million de dollars. Le mouvement est lié au "Political Pop" - une forme de Pop art chinois de la fin des années 80.

Néo-Pop Art (à partir de la fin des années 1980)

Les termes "Neo-Pop" ou "Post-Pop" dénotent le renouveau de l'intérêt américain pour les thèmes et les méthodes du mouvement Pop-Art des années 1950 et 1960. En particulier, il fait référence au travail d'artistes comme Ashley Bickerton, Jeff Koons, Alan McCollum et Haim Steinbach. Utilisant des objets reconnaissables, des images de célébrités (par exemple Michael Jackson, Madonna, Britney Spears) ainsi que des icônes et des symboles de la culture populaire des années 1980 et 1990, cette forme actualisée de Pop-Art s'est également inspirée de Dada (dans leur utilisation de ready-made et objets trouvés), ainsi que l'art conceptuel moderne. Des exemples classiques d'art néo-pop sont "Rat-King" (1993) une sculpture de Katharina Fritsch, et Jeff Koons 1988 sculpture "Michael Jackson and Bubbles". Comme son style parent, Neo-Pop s'est moqué des célébrités et a ouvertement remis en question certaines des hypothèses les plus précieuses de la société. Koons lui-même a acquis une notoriété considérable pour son élévation du kitsch au grand art. Son "Balloon Dog" (1994-2000) est une sculpture en acier rouge brillant (10 pieds de haut) dont la forme monumentale détaillée contraste absurdement avec la nature triviale de son sujet. Parmi les autres artistes néo-pop célèbres figuraient les Américains Jenny Holzer, Cady Noland et Daniel Edwards Jeunes artistes britanniques Damien Hirst, Gary Hume et Gavin Turk, ainsi que Michael Craig-Martin, Julian Opie et Lisa Milroy Russes Vitali Komar et Alexander Melamid et artiste belge Léo Coper.

REMARQUE : L'une des choses déroutantes à propos de Neo-Pop est le fait que plusieurs créateurs du Pop-art original des années 1960 et 70 créaient encore des œuvres intéressantes dans les années 1990. Le meilleur exemple est le sculpteur Claes Oldenburg (né en 1929) dont les sculptures Pop géantes comprennent Timbre gratuit (1985-91, Willard Park, Cleveland) et trognon de pomme (1992, Musée d'Israël, Jérusalem).

Stuckisme (à partir de 1999)

Un groupe artistique britannique controversé, co-fondé en 1999 par Charles Thomson et Billy Childish avec onze autres artistes. Le nom provient d'une insulte à Childish prononcée par l'artiste britannique Tracey Emin, qui lui a dit que son art était « coincé ». Rejetant la nature stérile de l'art conceptuel, ainsi que la performance et l'installation des YBA comme Emin, qu'ils prétendent être essentiellement dépourvues de valeur artistique, les artistes Stuckist favorisent un retour à des qualités plus picturales comme en témoignent la peinture figurative et d'autres arts figuratifs. Le groupe a organisé de nombreuses expositions en Grande-Bretagne au début des années 2000, y compris "The First Art Show of the New Millennium" (1er janvier 2000) et "The Resignation of Sir Nicholas Serota" (mars 2000), ainsi que plusieurs expositions annuelles intitulées"The Real Turner Prize Show" , ainsi qu'un certain nombre d'autres événements. Le groupe est également présent à Paris, Hambourg, Cologne, Leipzig, New Jersey, New Haven USA et Melbourne Australie. Stuckism a également été présenté dans deux livres récents : "Styles, Schools and Movements: an Encyclopaedic Guide to Modern Art", par Amy Dempsey et "The Tastemakers: UK Art Now" par Rosie Millard. Une galerie Stuckist a également été ouverte dans le centre de Londres. Les membres du groupe Stuckist comprenaient, entre autres, Charles Thomson, Billy Childish, Bill Lewis, Philip Absolon, Sanchia Lewis, Sheila Clark, Ella Guru et Joe Machine.

Nouvelle école de Leipzig (à partir de 2000)

Venant à l'attention du public dans les premières années du nouveau millénaire, la nouvelle école de Leipzig (en allemand, "Neue Leipziger Schule"), également appelé "Jeunes artistes allemands" (YGAs), est un mouvement libre de peintres et sculpteurs qui ont reçu leur formation au Hochschule für Grafik und Buchkunst (Académie des arts visuels) à Leipzig, en Allemagne de l'Est, où elle était largement isolée des tendances de l'art moderne en Occident. Les méthodes d'enseignement étaient uniformément traditionnelles, se concentrant sur les principes fondamentaux des beaux-arts traditionnels, avec un accent particulier sur le dessin, le dessin de figures, le dessin d'après nature, l'utilisation de grilles, la théorie des couleurs et les lois de la perspective. Après la réunification en 1989, l'école a commencé à enseigner à des étudiants de toute l'Allemagne et ses diplômés ont cherché des opportunités de vendre leurs œuvres en Occident. Le premier artiste à succès à émerger était Neo Rauch qui s'est vu offrir une exposition personnelle à la David Zwirner Gallery de New York en 2000. Son succès a maintenant ouvert les portes à d'autres artistes de Leipzig tout aussi talentueux, dont les œuvres sont présentées en Europe et aux États-Unis. États. Leur style est typiquement figuratif avec un fort accent sur la narration, et se caractérise par des couleurs douces.

Le réalisme classique et le mouvement des ateliers postmodernes
La nouvelle école de Leipzig est l'un des nombreux centres contemporains d'artisanat traditionnel. Aux États-Unis, la peinture traditionnelle des beaux-arts a été revitalisée dans les années 1980 par le « réalisme classique », un mouvement contemporain fondé par Richard Lack (1928–1502009), ancien élève de l'artiste bostonien R. H. Ives Gammell (1893–1501981) au début des années 1950. En 1967, il crée Manque d'atelier, un atelier de formation sur le modèle ateliers du Paris du XIXe siècle.

Art de projection (21e siècle)

L'art de la projection - également connu sous le nom de Projection mapping, ou video mapping, ou réalité augmentée spatiale - est le summum de l'art postmoderniste. En utilisant la technologie de projection informatisée, il n'a besoin que d'une surface (comme un bâtiment, une façade d'église, un arbre, etc.) sur laquelle projeter le produit fini. Toute imagerie peut être mappée sur la surface de réception et les effets peuvent être spectaculaires : elle peut littéralement transformer un espace extérieur ou intérieur, tout en racontant une histoire et en créant un festin optique. Les artistes de projection célèbres incluent Paolo Buroni, Clement Briend, Ross Ashton, Jennifer Steinkamp, ​​Andy McKeown et Felice Varini, pour n'en nommer que quelques-uns.

Art informatique (21e siècle)

Datant de la machine à dessiner Henry, conçue par Desmond Paul Henry en 1960, le terme "Art informatique" désigne tout art dans lequel les ordinateurs jouent un rôle important. Cette définition large englobe également des formes d'art plus conventionnelles qui utilisent des ordinateurs, telles que: l'animation contrôlée par ordinateur ou l'art cinétique, ou la peinture générée par ordinateur - ainsi que les formes basées sur des logiciels informatiques, comme l'architecture déconstructiviste. L'art informatique peut également être appelé "Art numérique", "Art Internet", "Art logiciel" ou "Graphisme informatique". Les pionniers de ce type d'art sont Harold Cohen, Ronald Davis, George Grie, Jean-Pierre Hebert, Bela Julesz, Olga Kisseleva, John Lansdown, Maughan Mason, Manfred Mohr et Joseph Nechvatal. Les artistes numériques ultérieurs comprenaient : Charles Csuri, Leslie Mezei, Frieder Nake, Georg Nees, A. Michael Noll, Nam June Paik et John Whitney. D'autres pionniers importants de la recherche comprenaient : le professeur Harold Cohen, UCSD, et Ken Goldberg de UC Berkeley. Les premières expositions d'art informatique comprenaient : "Generative Computergrafik" (1965) à la Technische Hochschule à Stuttgart, Allemagne "Computer-Generated Pictures" (1965) à la Howard Wise Gallery à New York "Computer Imagery" (1965) à la Galerie Wendelin Niedlich, à Stuttgart, Allemagne "Cybernetic Serendipity" (1968) à l'Institute of Contemporary Arts de Londres. Au 21ème siècle, l'art informatique est devenu la dernière arène de l'art contemporain - une sorte de postmodernisme ultime. En fait, l'art généré par ordinateur est hautement révolutionnaire - notamment parce qu'il a la capacité (à mesure que l'intelligence artificielle se développe) d'atteindre une indépendance artistique complète. Surveillez cet endroit!

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Trois siècles après sa décapitation, une barbe noire plus gentille et plus douce émerge

Depuis que sa tête a été séparée de son corps il y a 300 ans ce mois-ci, Edward Teach (ou Thache), également connu sous le nom de Blackbeard le pirate, a été l'archétype des voyous assoiffés de sang qui parcouraient autrefois les eaux côtières des Caraïbes et de l'Atlantique.

Ce n'est qu'au cours des dernières années que les généalogistes, les historiens et les archéologues, grâce à une combinaison de travail acharné et de chance, ont mis au jour des indices surprenants qui révèlent l'homme derrière la légende, celui que Barbe Noire lui-même a aidé à engendrer. En son temps, les marchands murmuraient son nom avec effroi. Des rapports ont circulé sur un homme de grande taille aux yeux « féroces et sauvages » qui gardait une paire de trois pistolets sur un étui en travers de sa poitrine et un grand bonnet de fourrure sur la tête. Des allumettes allumées faisaient fumer sa luxueuse barbe comme un affreux météore.

Ce pirate, selon un récit britannique écrit une demi-douzaine d'années après sa mort, "a effrayé l'Amérique plus que toute autre comète qui y est apparue depuis longtemps". Mais Barbe Noire a disparu brusquement lorsqu'une expédition navale britannique a personnellement disparu. financé par le gouverneur de Virginie, Alexander Spotswood, lui a tendu une embuscade, ainsi que la plupart de ses hommes, lors d'une bataille sanglante au large de l'île d'Ocracoke le 22 novembre 1718. La tête de Barbe Noire était coincée sur un empilement au large de Hampton, en Virginie, en guise d'avertissement aux autres contrevenants.

Le redoutable boucanier n'a cependant jamais effrayé les producteurs hollywoodiens. Barbe Noire a acquis une nouvelle notoriété au milieu du 20e siècle, lorsque le film de 1952 Barbe Noire le Pirate avéré populaire. Une demi-douzaine de films centrés sur ses exploits ont suivi, et il est devenu le pirate cinématographique par excellence. En 2006, il a réalisé sa propre mini-série détaillant sa recherche du trésor du capitaine Kidd. Il a même eu une rencontre avec Jack Sparrow en 2011 Pirates des Caraïbes: La Fontaine de jouvence. Ces représentations ont encore embelli une légende qui a depuis longtemps dépassé la vérité historique. « La véritable histoire de Barbe Noire n'a pas été racontée depuis des siècles », déclare Baylus Brooks, un historien maritime et généalogiste basé en Floride.

Même les détails biographiques les plus élémentaires sur Barbe Noire ont été vivement contestés. Personne ne connaît l'année de sa naissance ni même son emplacement, certains prétendent Bristol, dans l'ouest de l'Angleterre d'autres désignent la Jamaïque. D'autres encore insistent sur le fait qu'il était originaire de Caroline du Nord ou de Philadelphie. Son enfance était un mystère complet. Mais peu avaient tenté de retracer l'arbre généalogique de Barbe Noire.

Par un matin d'été paresseux en 2014, Brooks s'est demandé s'il pouvait y avoir des traces de Teaches ou Thaches en Jamaïque, l'un des endroits que le pirate considérait comme sa maison. Puis il se souvint de son abonnement à Ancestry.com et y commença ses recherches. "Je ne m'attendais à rien, mais j'ai eu un coup", dit-il. C'était l'acte de baptême de Cox Thache, un fils d'Edward et Lucretia Theach (Thache et Theach étaient des variantes courantes de Teach), dans la colonie jamaïcaine de Spanish Town en 1700. chaise préférée, se souvient Brooks.

Brooks savait qu'un visiteur anglais en Jamaïque en 1739 avait fait référence à des membres de la famille de Barbe Noire résidant à Spanish Town et que sa mère était encore en vie à cette époque. "Ma vie avait changé", a déclaré Brooks. Depuis, il est sur la trace papier de l'arbre généalogique des pirates. Avec l'aide de la chercheuse jamaïcaine Dianne Golding Frankson, il a découvert qu'Edward Thache - que Brooks croit être le père de Barbe Noire - était un capitaine et un homme de statut qui s'est remarié deux fois. Lucretia était sa dernière épouse.

Le vrai trésor que Brooks a trouvé, cependant, était un document jauni de 1706 sur une étagère dans les archives de la paroisse récupérées par Frankson. Écrit à bord du navire de la Royal Navy de 60 canons Windsor alors qu'il était ancré dans le port de Port Royal en Jamaïque, l'auteur était le fils d'Edward Thache, qui portait le même nom. Dans cet acte, Thache cède la succession de son défunt père à sa belle-mère, Lucretia, pour "l'amour et l'affection que j'ai et que je porte envers mon frère et ma sœur Thomas Theache et Rachel Theache" ses demi-frères et sœurs.

Si Brooks a raison, alors Barbe Noire a rejoint la Royal Navy et a généreusement cédé la succession de son père, dont il a hérité par la loi en tant que fils aîné, à sa famille jamaïcaine. Vérification du Windsor journaux de bord, il a découvert un Edward Thache qui était arrivé en Angleterre à bord d'un navire marchand de la Barbade. Le 12 avril 1706, le jeune homme a rejoint l'équipage alors que le navire était ancré au large de l'île de Wight en Angleterre, près de Portsmouth.

Dans le récit de Brooks, la famille de Barbe Noire a quitté Bristol alors que le pirate était encore jeune pour chercher fortune sur la riche île de la Jamaïque, où le sucre était connu sous le nom d'or blanc. Ils possédaient des esclaves africains et semblent avoir été d'un statut social élevé. Pourquoi le jeune Edward, probablement dans la mi-vingtaine, quitterait la maison pour rejoindre un navire marchand et ensuite la Royal Navy n'est pas clair, mais cela a peut-être été une étape naturelle pour atteindre l'avancement ainsi que l'expérience nautique.

Cette Barbe Noire historique est bien différente du maniaque déchaîné ou de la figure mythique de Robin des Bois. Brooks’ Thache est un homme bien éduqué, doté d'une grâce sociale, instruit et capable d'utiliser un équipement de navigation complexe. Ce contexte expliquerait pourquoi, peu de temps avant sa mort, il s'entendait si bien avec le gouverneur de Caroline du Nord, Charles Eden, et d'autres membres éminents de la colonie. Le pirate a peut-être même été bouleversé par la disparition de la maison des Stuart qui a placé George Ier allemand sur le trône anglais, peut-être la raison pour laquelle il a renommé un navire français volé le La vengeance de la reine Anne, après le dernier monarque Stuart.

D'autres historiens ont récemment noté qu'en dépit de la terrible réputation de Barbe Noire, il n'existe aucune preuve qu'il ait jamais tué quelqu'un avant sa bataille finale à Ocracoke, près du cap Hatteras, alors qu'il se battait pour sa vie. "Il a probablement cultivé cette image meurtrière", explique Charles Ewen, archéologue à l'East Carolina University. “Faire peur aux gens était une meilleure option que d'endommager ce que vous essayez de voler.”

Brooks admet qu'il ne peut pas prouver définitivement que son Thache est notre Barbe Noire, mais d'autres chercheurs trouvent le cas de Brooks convaincant. « Cela a du sens et cela semble crédible », déclare Ewen. Certains sont plus prudents. "Il y a une certaine validité", ajoute l'historien Angus Konstam, "mais ce n'est pas encore ficelé."

Ce qui a amené Barbe Noire à la piraterie une décennie après avoir rejoint la Royal Navy, cependant, n'est pas un sujet de controverse. En 1715, une flotte de navires espagnols quitta La Havane, à Cuba, pour l'Espagne remplie de trésors, dont de grandes quantités d'argent. Un ouragan précoce a détruit les navires sur la côte atlantique de la Floride, noyant plus d'un millier de marins. Des pirates anglais, des corsaires et d'autres, en particulier des Jamaïcains, sont descendus dans la région pour piller les navires, déclenchant ce que l'historien de l'Université Trent Arne Bialuschewski appelle « une ruée vers l'or ».

Barbe Noire apparaît pour la première fois dans les archives en tant que pirate à ce moment.

Sa carrière, comme tant de ses collègues, a été de courte durée dans les deux ans où il était mort. "Les gens ont cette notion romantique du piratage, mais ce n'était pas un style de vie pépère", explique Kimberly Kenyon, directeur de terrain pour l'excavation du La vengeance de la reine Anne, qui s'est échoué à l'extérieur de Beaufort, en Caroline du Nord, et a été abandonné peu de temps avant la mort de Barbe Noire.

L'équipe de Kenyon a transporté plus de 400 000 artefacts à la surface, allant de deux douzaines de canons massifs à un fragment d'une page d'un livre de voyage de 1712. Barbe Noire était connue pour piller des livres ainsi que des marchandises. Le pirate avait peut-être aussi un penchant pour la bonne nourriture, car les archives montrent qu'il gardait le cuisinier français du navire. L'équipe archéologique a également trouvé des restes de sanglier, de cerf et de dinde, signe que l'équipage chassait de la viande fraîche. Et l'équipe n'a fouillé que la moitié de l'épave, la seule épave de pirate au monde à avoir été étudiée scientifiquement.

Mais si Barbe Noire répugnait à utiliser des moyens violents, il était certainement prêt à le faire. Le navire était lourdement armé de 250 000 morceaux de plomb, 400 boulets de canon, des dizaines de grenades et de nombreux mousquets, ainsi qu'un total de 40 canons anglais et suédois. Cependant, la maladie représentait probablement une menace plus grande que la Royal Navy, comme en témoigne la seringue urétrale trouvée par les archéologues portant encore des traces de mercure, un traitement populaire à l'époque pour la syphilis.

Les récentes découvertes archéologiques associées aux recherches de Brooks pourraient rendre Barbe Noire encore plus énigmatique, déclare Kenyon. Il n'est plus le méchant en carton du passé, mais sa personnalité et ses motivations ne sont toujours pas claires. “Il continue d'être si insaisissable. Il y a tellement de facettes à cette personne. C'est ce qui le rend fascinant.

Note de la rédaction, 20 novembre 2018 : cette histoire a été corrigée pour indiquer que Barbe Noire a rejoint son équipage près de Portsmouth, pas de Plymouth.


Crédits

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Sibley, D.A. (2014). Le Guide Sibley des oiseaux, deuxième édition. Alfred A. Knopf, New York, NY, États-Unis.


Les quatre archétypes du masculin mature : Introduction

Le but de l'Art de la virilité est d'aider les hommes à devenir des hommes meilleurs. À cette fin, nous explorons souvent certains des problèmes propres aux hommes modernes et proposons des suggestions sur les mesures qu'ils peuvent prendre pour surmonter ces problèmes. Un problème dont nous discutons régulièrement sur le site est celui du mal-être masculin moderne. Peut-être en avez-vous fait l'expérience : vous vous sentez agité et sans but. Vous manquez de confiance en vous en tant qu'homme. Vous avez peut-être 20, 30 ou 40 ans, mais vous n'avez pas l'impression d'avoir atteint l'âge adulte.

Il y a quelques semaines, nous avons fait une série intitulée "Les cinq interrupteurs de la virilité". énergie masculine primordiale unique. Les interrupteurs sont la façon dont vous alimentez l'homme sauvage en vous et surmontez les sentiments d'absence de changement et de malaise masculin que de nombreux hommes éprouvent de nos jours.

Une autre façon d'aborder le remède au malaise masculin moderne vient du livre Roi, Guerrier, Magicien, Amant : Redécouvrir les Archétypes du Masculin Mûr, par le psychologue jungien Robert Moore et le mythologue Douglas Gillette. Moore soutient que la masculinité est composée de quatre énergies masculines archétypales qui servent des objectifs différents. Tous les hommes, qu'ils soient nés aux États-Unis ou en Afrique, sont nés avec ces énergies archétypales. Les auteurs soutiennent que pour devenir un homme complet, un homme doit travailler pour développer les quatre archétypes. Le résultat de l'effort pour devenir complet est un sentiment de confiance et de détermination viriles.

Roi, Guerrier, Magicien, Amant a été publié à l'origine en 1990, et il a eu une assez grande influence sur la masculinité en Amérique. Il, avec le livre de Robert Bly, Iron John : Un livre sur les hommes, a lancé le mouvement mythopoétique des hommes du début des années 1990. Pendant ce temps, de nombreux hommes en Amérique ont commencé à assister à des groupes d'hommes et à des retraites de week-end où ils participaient à des rites de passage et discutaient d'anciens mythes pour avoir une idée personnelle de ce que signifie être un homme. Vous pouvez encore voir l'influence de Roi, Guerrier, Magicien, Amant dans des livres comme Le coeur qui est en Desert ou des retraites de week-end pour hommes comme The ManKind Project.

Certaines des idées de KWML sont du type New-Agey, sensible à la queue de cheval, assis en cercles de tambour dans le type bois. Personnellement, ce genre d'approche ne m'attire pas en tant qu'homme. Je connais beaucoup d'hommes qui tirent beaucoup de ce genre de choses. A chacun le sien. Néanmoins, j'ai toujours l'impression d'avoir beaucoup profité de la lecture du livre et de la mise en pratique de certaines des idées de Moore et Gillette.

Au cours des prochains mois, nous allons explorer les quatre archétypes masculins dans KWML. Nous allons explorer ce qu'ils sont et comment vous pouvez y accéder dans votre cheminement pour devenir un homme meilleur.

Une brève introduction à la psychologie jungienne

Comme une grande partie de la littérature du mouvement mythopoétique des hommes, KWML est fondée sur la psychologie de Carl Jung, en particulier dans son idée d'archétypes psychologiques. Pour comprendre les quatre archétypes de la masculinité, il est utile de comprendre un peu la psychologie jungienne. Je pourrais consacrer un article entier à la psychologie de Jung, mais je garderai ce bref pour nos besoins.

Carl Jung était l'un des premiers et des plus influents psychologues modernes. Avez-vous déjà passé un de ces tests d'indicateurs de type Myers-Briggs ? Ceux-ci ont été inspirés par l'idée de Jung de personnalités extraverties et introverties. Avez-vous déjà entendu quelqu'un parler de « l'inconscient collectif ? » C'est aussi Jung.

De 1907 à 1913, Jung a travaillé en étroite collaboration et a étudié avec le père de la psychologie moderne, Sigmund Freud. Alors que les deux partageaient bon nombre des mêmes idées sur l'esprit humain, ils avaient leurs différences. Jung était d'accord avec la théorie de Freud sur l'inconscient, mais il pensait que la vision de Freud était trop négative et incomplète. Freud s'est concentré sur l'inconscient comme le lieu dans lequel les gens hébergeaient et réprimaient les émotions négatives et les pensées déviantes. Jung a convenu que les émotions négatives étaient réprimées dans l'inconscient, mais il a également estimé que les expériences, les pensées et les émotions positives pouvaient également être contenues dans l'inconscient.

Jung a également divergé de la théorie freudienne de l'inconscient en affirmant qu'il existait un deuxième inconscient encore plus profond chez tous les êtres humains. Jung a appelé le premier niveau de l'inconscient (celui que Freud a également affirmé) l'« inconscient personnel ». L'inconscient personnel a été créé par l'expérience personnelle.

Le deuxième niveau de l'inconscient que Jung a appelé « l'inconscient collectif ». Selon Jung, l'inconscient collectif se compose de schémas de pensée instinctifs et universels que les humains ont développés au cours de milliers d'années d'évolution. Jung a appelé ces schémas de comportement primordiaux « archétypes ». Pour Jung, les archétypes constituent le fondement de toute expérience personnelle. Peu importe que vous soyez un homme d'affaires sophistiqué vivant dans un appartement de grande hauteur à Manhattan ou un bushman vivant dans une hutte en Afrique, Jung dirait que peu importe qui vous êtes, vous avez les mêmes comportements archétypaux intégrés en vous.

Jung croyait que ces archétypes du comportement humain venaient à la surface de l'esprit conscient à travers des symboles, des rituels et des mythes. Il a soutenu que ces modèles archétypiques expliquent pourquoi nous voyons des motifs et des symboles similaires dans les rituels et les histoires mythiques à travers les cultures. Par exemple, la figure de Dieu mourant/ressuscitant peut être trouvée dans les histoires et les mythes des anciens Grecs, des anciens Sumériens, des chrétiens et des Amérindiens.

La croyance de Jung selon laquelle l'inconscient collectif se reflète à travers des symboles et des rituels explique également probablement sa fascination pour le mystique et l'ésotérique. Il était un étudiant sérieux dans des domaines comme l'alchimie, l'astrologie, l'interprétation des rêves et le tarot, mais pas pour leur prétendue capacité à prédire l'avenir ou à transformer le plomb en or. Au contraire, il a exploré ces traditions ésotériques parce qu'il croyait qu'elles pouvaient aider les individus à puiser dans l'inconscient collectif et à explorer les comportements archétypaux qui y résidaient.

D'accord, alors quels sont les archétypes qui, selon Jung, existaient chez chaque personne ? Alors que Jung a suggéré un certain nombre d'archétypes universels, les quatre principaux sont : le Soi, l'Ombre, l'Animus et l'Anima, et la Persona. Pour les besoins de cet article, je ne vais pas entrer dans les détails de ces quatre éléments. Si c'est quelque chose qui vous intéresse, je vous encourage à enquêter sur ces archétypes par vous-même.

Avant de continuer, soyons clairs sur quelque chose. Les archétypes ne sont pas des types de personnalité. Jung ne pensait pas qu'on pouvait classer une personne comme un archétype spécifique. Un homme ne peut pas passer un test pour lui dire qu'il est une "Ombre". degrés.

Les quatre archétypes du masculin mature : roi, guerrier, magicien, amant

Le psychologue Robert Moore a pris le concept des archétypes de Jung et l'a utilisé pour créer un cadre qui expliquait le développement de la masculinité mature et intégrale chez les hommes. Moore a soutenu que les problèmes que nous voyons avec les hommes aujourd'hui - la violence, l'absence de changement, l'éloignement - sont le résultat du fait que les hommes modernes n'explorent pas ou ne sont pas en contact avec les archétypes masculins primitifs qui résident en eux. Comme Jung, Moore croyait que les hommes et les femmes possédaient à la fois des modèles archétypaux féminins et masculins - c'est l'anima (féminin) et l'animus (masculin).

Le problème avec les hommes modernes est que la société occidentale supprime l'animus ou l'archétype masculin en eux et encourage plutôt les hommes à entrer en contact avec leur « côté plus doux » ou leur anima. Moore dirait qu'il n'y a rien de mal à ce que les hommes développent ces comportements plus doux, plus nourrissants et plus féminins. En fait, il l'encouragerait. Un problème ne se pose que lorsque le développement du féminin se fait aux dépens du masculin.

Selon Moore, la psychologie masculine est composée de quatre archétypes majeurs : le roi, le guerrier, le magicien et l'amant. Pour qu'un homme atteigne la force et l'énergie masculines matures, il doit être en contact avec les quatre.

La structure des archétypes

Moore soutient que chaque archétype masculin se compose de trois parties : l'expression complète et la plus élevée de l'archétype et deux ombres dysfonctionnelles bipolaires de l'archétype. Pour mieux comprendre cela, Moore dépeint chaque archétype comme un triangle. Voici un exemple de l'archétype du roi ainsi illustré :

Les coins inférieurs du triangle représentent la division de l'ombre bipolaire dans le Soi archétypal. Le but de chaque homme, selon Moore, est de réconcilier et d'intégrer ces deux ombres bipolaires afin d'atteindre l'expression la plus complète de l'archétype représenté au sommet du triangle.

De plus, chaque archétype a une forme mature et immature. Moore appelle les formes matures des archétypes masculins « Psychologie de l'Homme » et les formes immatures « Psychologie du Garçon ». Les archétypes masculins matures sont les quatre que nous avons déjà mentionnés : Roi, Guerrier, Magicien, Amant. Les archétypes immatures de l'enfance sont l'Enfant divin, le Héros, l'Enfant précoce et l'Enfant œdipien. Chacun de ces archétypes immatures a la même configuration tripartite que les archétypes matures. Ils ont tous leur expression la plus haute et la plus complète avec leurs deux ombres dysfonctionnelles bipolaires.

Avant qu'un garçon puisse accéder à l'archétype du roi, il doit développer l'enfant divin avant de pouvoir accéder à l'archétype du guerrier, il doit développer l'archétype du héros. Et ainsi de suite.

Ouf. C'est beaucoup à mâcher et à digérer. Cela semble compliqué, mais je pense que si vous voyez l'idée de Moore sur les quatre archétypes masculins et le développement de la masculinité immature à mature dans un diagramme, c'est en fait assez facile à comprendre (Cliquez sur l'image pour zoomer):

Cliquez pour voir la version agrandie

  • Archétypes de l'enfance
  • L'archétype du roi
  • L'archétype du guerrier
  • L'archétype du magicien
  • L'archétype amoureux
  • Comment accéder aux archétypes

Bien qu'être un homme se résume en fin de compte à mettre les bons principes en action réelle, ces actions doivent provenir d'un lieu intérieur mûr et sain, et ces idées, lorsqu'elles sont mûrement réfléchies, peuvent vous aider à vous orienter dans la bonne direction lorsque vous cherchez à deviens le meilleur homme que tu puisses être.

Je recommande d'obtenir une copie du livre afin que vous puissiez suivre au fur et à mesure que nous parcourons les archétypes, car cela vous permettra d'approfondir si votre curiosité est piquée. De plus, j'adore entendre les idées que vous avez glanées en lisant.


Maori de Nouvelle-Zélande

On suppose parfois que chaque coupe dans une pièce de sculpture maorie doit avoir une signification, mais en fait, une grande partie est probablement purement décorative. Le nombre de sculpteurs du XIXe siècle qui avaient été instruits par des experts pré-européens rend hautement probable que la plupart des connaissances des enseignants ont été transmises aux élèves. Il n'y a aucune preuve convaincante que la connaissance était trop sacrée pour être transmise, car de nombreuses informations sur des questions tout aussi sacrées ont été révélées même aux Européens aux premiers jours de la colonisation européenne. C'est donc une conclusion raisonnable que soit la quantité de symbolisme dans la sculpture a été grandement exagérée, soit qu'elle avait été perdue au moment où les Européens sont venus en Nouvelle-Zélande.

Il est important de noter que les figures de la sculpture maorie, à de très rares exceptions près, ne sont pas religieuses, mais laïques. Ils ne représentent pas des idoles, mais plutôt des ancêtres renommés de la tribu. L'approche la plus proche des idoles était les figures de pierre associées à l'agriculture et les soi-disant « bâtons divins » dont il existe quelques exemples, principalement de la côte ouest de l'île du Nord, dans les musées. Ceux-ci consistent en une cheville en bois d'environ 18 pouces de long avec une tête sculptée sur l'extrémité supérieure et l'extrémité inférieure pointue de sorte qu'elle puisse être enfoncée dans le sol. Parfois, il y a deux têtes, et parfois le corps ou une partie du corps est représenté. On croyait que le dieu tribal pénétrait dans l'objet lorsque le manche était lié avec une corde d'une certaine manière et qu'une frange de plumes rouges était attachée autour de la tête comme une barbe. Sans la reliure, l'objet n'avait aucune signification religieuse. La pratique de lier ou d'envelopper des divinités était connue aux îles Cook et à Niue.

Sculpture symbolique sur les maisons de réunion maories

La grande maison de réunion sculptée (whare runanga) était généralement nommé d'après un ancêtre important et, dans la plupart des régions du pays, était un symbole de cet ancêtre. La façade d'une maison sculptée a au sommet du pignon une grosse tête sculptée sans aucune partie du corps visible. Cette tête est connue sous le nom de koruru ou parata. Dans les maisons anciennes, il est en fait sculpté sur l'extrémité saillante du faîtage (tahuhu), et le corps de la figure peut être vu sur le faîtage à l'intérieur du porche de la maison. Cependant, la maison elle-même représente également le corps du koruru, qui est l'ancêtre qui a donné son nom à la maison. Les bras du koruru sont les maihi ou des barges inclinées.

Aux extrémités inférieures du maihi, qui dépassent des figures verticales (amo) de chaque côté de la façade de la maison, est un dessin ajouré avec trois, quatre ou cinq nervures parallèles les unes aux autres. Il y a généralement un manaia la tête entre les côtes et l'amo. Les côtes sont des doigts, et elles et le manaia représentent les mains de l'ancêtre. C'est une convention très courante d'utiliser une tête de manaia sur la main d'un personnage sculpté. Le faîtage de la maison représente l'épine dorsale de l'ancêtre, et les chevrons (heke) représentent ses côtes. L'intérieur de la maison représente l'estomac ou la poitrine (poho). Cela explique la pratique courante dans la région de Gisborne et Hawke's Bay de nommer une maison "Te Poho o xxxxx", où xxxxx est le nom d'un ancêtre, comme dans "Te Poho o Kahungunu" et "Te Poho o Rukupo".

Un coup d'œil à travers les illustrations de W. J. Phillipps's "Carved Houses of the Western and Northern Areas of New Zealand" montrera que le district de Waikato est exceptionnel en ce que ses premières maisons n'ont pas les mains aux extrémités du maihi. Au lieu de cela, il y a des spirales ajourées similaires à celles sculptées sur les extrémités inférieures du maihi sur les petits entrepôts. Il apparaît donc que les Waikato n'ont pas observé la forme symbolique habituelle de la maison.

Là où la maison représentait le corps d'un ancêtre célèbre, il serait naturellement hautement tapu. Ce serait, bien sûr, le plus gênant pour les personnes entrant dans la maison. Une façon de retirer le tapu d'un homme était de faire marcher une femme sur lui alors qu'il était allongé sur le sol. C'était la pratique lorsque les guerriers revenaient de la guerre dans un état tapu, le principe étant qu'une femme, n'ayant pas de tapu elle-même, pouvait le neutraliser chez un homme. Le même principe a été adopté pour protéger les personnes entrant ou sortant d'une maison sculptée. Au-dessus de la porte une dalle sculptée (rogner ou korupe) a été placé, portant un dessin de trois figures principales. La figure centrale, ou les trois, serait une femme. Ainsi, un homme passant sous le parc se verrait retirer le tapu de la maison par les figures ou figures féminines.

Jusqu'à une époque récente, les maisons sculptées dans la plupart des quartiers n'avaient pas de sculpture à l'intérieur, à part le pou toko manawa, le poteau supportant le faîtage au milieu de la maison. Cependant, sur la côte Est et dans les districts d'Urewera et d'Arawa, il y avait des maisons avec des figures sculptées sur tous les pou pou ou des dalles murales à l'intérieur du bâtiment. Il s'agirait d'une pratique post-européenne qui a commencé sur la côte est et s'est étendue à Rotorua. Il est clair, cependant, que des maisons entièrement sculptées existaient à l'époque pré-européenne, car un tel bâtiment dans un état inachevé a été vu par Cook dans la baie de Tolaga lors de son premier voyage. Chacune des figures majeures du poupou porte le nom d'un ancêtre. Depuis environ 1870, il est d'usage dans le district d'Arawa, et plus tard dans d'autres districts, d'identifier certains des ancêtres en illustrant les incidents de leur vie. Par exemple, dans la grande maison "Tama te Kapua" à Ohinemutu, Tama te Kapua et son frère, Whakaturia, sont montrés sur des échasses pour illustrer l'incident lorsqu'ils ont utilisé des échasses pour voler les fruits de l'arbre d'Uenuku à Hawaiki. Il n'est pas clair s'il s'agit d'une pratique ancienne. Il ne semble pas subsister de sculpture pré-européenne de ce type, mais cela ne veut pas dire qu'elle n'existait pas. Dans la plupart des cas, rien n'identifie l'ancêtre représenté. En effet, il n'est pas rare que les personnages portent le nom d'une maison terminée.

Symbolisme dans les entrepôts maoris

Il est courant que les barges d'un grand entrepôt représentent un certain nombre d'hommes tirant une baleine à terre. La figure la plus haute tient la queue de la baleine et semble la présenter au chef, représenté par le tekoteko, la figure sculptée au sommet du bâtiment. Pourquoi la baleine est là, personne ne le sait, mais il est raisonnable de supposer que la baleine, représentant une énorme quantité de nourriture, serait le symbole d'abondance le plus approprié à placer sur un entrepôt. Une autre caractéristique vue sur les entrepôts est une paire de figures humaines enlacées, un homme et une femme. Habituellement, les personnages ont des têtes naturalistes et sont tatoués, mais certains avec des têtes grotesques sont connus. Sur 10 entrepôts avec une paire de chiffres, sept ont cette caractéristique sur le amo, ou des dalles verticales sous le maihi. Les trois autres ont la paire enlacée sculptée au-dessus de la porte. Sept de ces entrepôts proviennent de la région de Rotorua Bay of Plenty et les autres sont représentés dans des croquis des bâtiments du nord d'Auckland dessinés par Augustus Earle en 1827. Ces entrepôts du nord pataka ont les dessins typiques de la région de Rotorua Bay of Plenty et ont probablement été sculptés par des experts de là-bas. Le capitaine Cruise a rapporté que lorsqu'il était dans la baie des îles en 1820, un pataka était en train d'être sculpté par un homme qui avait été amené de la Tamise pour faire ce travail. On dit parfois que le couple enlacé représente les parents primitifs de tous les êtres vivants, Rangi et Papa, le ciel-père et la terre-mère. C'est une supposition raisonnable qu'il y a un certain élément de fertilité symbolisé par les chiffres sur les entrepôts

Le Lézard dans l'art maori

Dans une monographie d'Elsdon Best (N.Z. Journal of Science and Technology, Vol. V, p. 321), il y a diverses illustrations de lézards dans la sculpture maorie. À deux exceptions près, tous les exemples illustrés sont des travaux Arawa de la fin du XIXe siècle. Cela ne signifie pas, cependant, que le lézard est une caractéristique post-européenne, surtout compte tenu de la tradition continue de la sculpture dans le district d'Arawa. La maison sculptée de l'hôtel Spa, Taupo, était l'œuvre de Wero, l'un des sculpteurs les plus remarquables de Te Arawa au milieu du XIXe siècle et élève d'autres sculpteurs célèbres. Dans cette maison un grand lézard est superposé au corps du personnage à la base du pou toko manawa, ou poteau central supportant le faîtage. Deux des illustrations de l'article de Best montrent des lézards sur des supports de faîtage. Cela peut être significatif compte tenu de la déclaration de Best selon laquelle un lézard était parfois enterré sous l'un des trois poteaux soutenant le faîtage d'une école d'apprentissage ou d'un autre bâtiment important, le lézard étant généralement considéré comme un gardien efficace. Deux des exemples figurés par Best montrent un lézard sur le koruru la tête au pignon d'une maison. Hochstetter a vu un lézard sculpté sur le pignon d'une maison lors de sa visite à Ohinemutu en 1859.

Le lézard se trouve également dans les sculptures du nord d'Auckland. Un exemple particulièrement fin donné par Best est sur le couvercle d'un coffre funéraire. Un autre lézard apparaît sur le poteau d'un petit entrepôt sculpté peint par Earle à North Auckland en 1827 et donné à Phillipps (Maori Houses and Food Stores, 1952, p. 181). Cet entrepôt est du genre utilisé pour contenir les ossements de personnes importantes. Il y a probablement un élément de protection dans ces deux exemples nordiques. Il en va de même pour un grand lézard sculpté sur une tombe illustrée par Taylor (Te Ika a Maui, 1855, p. 106). Il y a un lézard sculpté sur le seuil extérieur de l'entrepôt "Hinana" construit par Iwikau (Te Heuheu Tukino III) de Ngati Tuwharetoa entre 1854 et 1856. Cela peut encore être un avertissement de la nature tapu du bâtiment. Le pataka élaboré construit par Te Pokiha de Te Arawa en 1868 et maintenant au musée d'Auckland a une série de lézards sculptés sur le faîtage. Au Musée du Dominion, il y a un banc de canot sur lequel se trouvent deux lézards. On dit que c'était le banc sur lequel le Tohunga était assis. Le papier de Best a également une illustration d'un lézard sculpté sur une flûte en os au British Museum. Le lézard était parfois sculpté en forme d'amulette. Un bon exemple est donné par Skinner (JPS, Vol. 43, p. 196). Un bel exemple de peinture rupestre maorie représentant deux figures reptiliennes fait face à la même page.

Il vaut la peine de répéter que la figure humaine était la conception de base du sculpteur maori, et lorsqu'il décorait des objets, tels que des boîtes à plumes, il utilisait cette conception de base et n'avait probablement aucune idée du symbolisme. Il est intéressant d'observer que sur ces objets de moindre importance, les figures humaines sont très fréquemment féminines. Ceci est peut-être dû au manque de tapu associé aux femmes.

La spirale dans l'art maori

En plus de leurs nombreuses formes utilisées dans les décorations de surface, les spirales sont un élément important de la sculpture en relief. Les spirales maories sont presque toujours doubles, bien que des spirales simples soient parfois sculptées sur des objets en pierre. Comme les éléments de la sculpture en relief sont presque entièrement constitués de figures humaines, à l'exception de la spirale, Archey a avancé une théorie selon laquelle la spirale elle-même a évolué à partir de manaia imbriqués, ou des bouches imbriquées de manaia. Il est vrai qu'il existe de nombreux exemples de spirales ajourées qui consistent en deux manaia ou bouches de manaia imbriquées, mais on ne sait pas si la spirale a donné naissance à ces formes ou en a évolué. La spirale était généralement une caractéristique importante de tatouage de visage masculin maori .

La spirale ajourée est connue sous le nom de pitau ou takarangi. De telles spirales ne sont pas isolées, mais sont placées entre des figures humaines ou entre les têtes de figures humaines. Les plus beaux motifs en spirale sont ceux des ornements de proue et de poupe des canots de guerre et des linteaux de porte. Les spirales sont également utilisées entre les figures de face ou les manaia sur les montants de porte, les cadres de fenêtre et sur les bords inférieurs des maihi ou des barges sur le devant des maisons sculptées. Sur les canots de guerre et dans certaines sculptures de maisons, les espaces entre les deux volutes d'une spirale sont coupés à travers le bois produisant, dans un travail supérieur, un effet de dentelle. Presque tout le monde commence au centre par un espace elliptique pointu ou par une lettre S.

Ocre rouge - kokowai

La sculpture sur bois maorie était souvent rehaussée d'ocre rouge. La mythologie de l'origine de cette couleur importante est la suivante. Il y a eu beaucoup de sang versé lors de la séparation de Papa-tu-a-nuku (Terre) et Rangi-nui (Ciel), les parents primitifs. Le sang de Rangi-nui est parfois vu comme une lueur rouge dans le ciel. Les Maoris l'appellent papakura et ils y cherchent des signes et des présages. Le sang de Papa-tu-a-nuku, la Terre Mère, a coulé dans la terre elle-même et est devenu de l'argile rouge.

L'adhésion à la Hakluyt Society est fortement recommandée à tous ceux qui s'intéressent à l'histoire de l'exploration et des voyages. Deux volumes savants distribués aux membres chaque année.

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Une histoire d'obésité, ou comment ce qui était bon est devenu moche puis mauvais

La pénurie alimentaire chronique et la malnutrition ont été le fléau de l'humanité depuis l'aube de l'histoire. L'épidémie mondiale actuelle d'obésité, désormais reconnue comme une crise de santé publique, date à peine de quelques décennies. Ce n'est qu'après les progrès technologiques du XVIIIe siècle qu'une augmentation progressive de l'approvisionnement alimentaire est devenue disponible. L'effet initial de ces progrès dans l'amélioration de la santé publique et de la quantité, de la qualité et de la variété des aliments a été une augmentation de la longévité et de la taille corporelle. Malgré ces premiers résultats favorables des progrès technologiques, leur effet progressif depuis la Seconde Guerre mondiale a été une surabondance de nourriture facilement accessible, associée à une activité physique réduite, qui explique la récente augmentation de la prévalence de l'obésité. L'obésité en tant que maladie chronique aux conséquences pathologiques bien définies date de moins d'un siècle. La rareté de la nourriture tout au long de l'histoire avait conduit à des connotations selon lesquelles être gros était bon, et que la corpulence et la "chair" accrue étaient souhaitables, comme en témoignent les arts, la littérature et l'opinion médicale de l'époque. Ce n'est que dans la seconde moitié du XIXe siècle que l'obésité a commencé à être stigmatisée pour des raisons esthétiques, et au XXe siècle, son association avec une mortalité accrue a été reconnue. Alors que les premiers rapports indiquaient que l'obésité était un facteur de risque de mortalité par «néphrite chronique», la reconnaissance ultérieure de l'association plus courante de l'obésité avec le diabète, l'hypertension et les maladies cardiaques a modifié les listes et remis en question le fait qu'il s'agisse d'un facteur de risque de maladie rénale. Un nombre croissant de preuves, accumulées au cours de la dernière décennie, indique maintenant une association directe de l'obésité avec la maladie rénale chronique et ses résultats.


Matrice décryptée

Irak
Entités d'apparence reptilienne trouvées en Irak entre 5 000 et 4 500 av.

Dieux Sumériens
Entité grise extraterrestre

Exposition d'art British Museum #52

Les dieux sumériens font défiler les images

Figurines, à tête de lézard ou de style Ubaid, argile, Ur (culture Ubaid), 5e millénaire avant notre ère, h:13,6 cm De l'Ubaid - Période mésopotamienne méridionale, 5000 avant notre ère - 4000 avant notre ère Trouvé à Ur. La culture Ubaid succéda aux Halaf à la fin du 6e millénaire avant notre ère dans le sud de l'Irak, puis se répandit dans toute la Mésopotamie. La culture d'Ubaid est connue pour ses grandes maisons en poterie peinte de plan tripartite pour les familles élargies et ses figurines à tête de lézard du sexe masculin et féminin. Les figurines telles que les exemples ci-dessus sont typiques. La figure de gauche tient un bébé sur sa hanche et le tète. La silhouette de droite a des vergetures incisées sur son abdomen. Il a été suggéré que les points et les lignes peints en brun représentent des tatouages, et les pastilles d'argile cicatrisant. On ne sait pas si la forme des crânes représente un véritable bandeau de tête. Des figurines similaires à tête de lézard ont été trouvées à Eridu. Collon, Dominique. Art ancien du Proche-Orient. Berkeley : University of California Press, 1995, page 46.

Népal

7 000 av. La plaque Lolladoff, découverte au Népal, semble montrer un objet en forme de disque en vol stationnaire au centre et un petit être ressemblant à un extraterrestre ressemblant à un gris extraterrestre, à côté. Le motif circulaire rappelle le mouvement en spirale de la conscience – Golden Ratio – la géométrie sacrée de la création.

Italie

Cette peinture rupestre date d'environ 10 000 ans avant JC et provient du Val Camonica, en Italie.
Il semble représenter deux êtres en tenue de protection tenant d'étranges instruments.

Kiev

Étrange figurine en costume trouvée à Kiev. Il date d'env. 4000 avant JC.

Mexique

Pétroglyphe vieux de 7000 ans découvert dans la province de Querétaro, Mexique en 1966. Il y a 4 personnages avec les bras tendus sous un grand objet ovale rayonnant ce qui semble être des faisceaux de lumière.

Équateur
Figures anciennes en combinaisons spatiales

États-Unis – Amérindiens

Pétroglyphes datant de milliers d'années par les anciens Indiens du sud-ouest américain. Selon le folklore indien, deux objets sont entrés en collision haut dans le ciel et un s'est écrasé dans la région de la Vallée de la Mort. Certains hommes sont arrivés (vraisemblablement dans un autre navire) et ont passé un certain temps à réparer l'embarcation endommagée et ont été observés par les Indiens locaux. Les deux images ci-dessous peuvent éventuellement représenter le navire (à gauche) utilisé par les hommes venus réparer l'engin endommagé. En comparant les deux images, celle de droite semble représenter des dommages structurels sur les bords et le fond. Serait-ce celui qui aurait crashé ? Les images sont des images fixes tirées d'une ancienne série télévisée intitulée « À la recherche de » animée par Leonard Nimoy.


Sego Canyon, Utah. Estimé jusqu'à 5 500 av.

Afrique
6000 avant JC du Tassili, désert du Sahara, Afrique du Nord.

Tanzanie

Deux peintures rupestres de Tanzanie. Les deux sont estimés à 29 000 ans. Celui de gauche est situé à Itolo et représente plusieurs objets en forme de disque. L'autre tableau est de Kolo montre quatre entités entourant une femme. Remarquez également l'entité qui regarde vers le bas depuis l'intérieur d'une sorte de boîte ou d'objet.

Australie

Pétroglyphes de Wandjina de Kimberley, Australie.
Environ 5 000 ans et peut représenter des êtres extraterrestres.
Dieux – Lien entre l'Australie et l'Egypte

Chine

Il s'agit d'une vieille illustration chinoise tirée d'un livre fictif intitulé « Enquête illustrée sur les pays étranges » (vers 1400 après JC) et avait la légende originale suivante : « Ji Gung Land : les gens pouvaient fabriquer des voitures volantes qui voyageaient loin avec un vent convenable. À l'époque de Tarng (vers 1700 av. J.-C.), des gens de Ji Gung pilotant une voiture sur un Westerley ont atteint Yew Jo.Tarng a démonté leur voiture afin que cela ne puisse pas être démontré aux gens. Plus tard, un vent d'est est venu sur lequel il leur a fait ramener la voiture dans leur propre pays [5 000 km] à l'ouest de notre porte d'entrée.

Japon

Il s'agit d'une reproduction artistique d'un relief trouvé dans un labyrinthe sur l'île Jotuo dans le lac Toengt’ing. Une expédition a eu lieu en 1957 (deux ans avant un tremblement de terre dans cette région). L'expédition était dirigée par le professeur Tsj’i Pen-Lai. Ils ont trouvé divers reliefs montrant des "humains" dans des vêtements étranges qui ressemblaient à des combinaisons d'astronautes (des tuyaux ressemblant à des objets attachés aux vêtements). Ils ont également trouvé une peinture qui ressemblait apparemment au système solaire. Les troisième et quatrième cercles (planète) étaient reliés par une ligne. Il y avait aussi dix planètes (à l'exclusion du soleil en tant que planète). Cela se connecte facilement aux théories sur Nibiru, la planète X, etc.

Illustration représentant une observation d'une roue en feu en l'an 900 sur le Japon.

1465 – UFO en forme de cigare – poutre enflammée vue dans le ciel pendant le règne d'Enrico IV
Extrait de Notabilia Temporum d'Angelo de Tummulillis

Une coupe de bois d'Arabie 1479 montre l'apparence d'une fusée complète avec rivet et métal et devant pointu avec des étoiles brillantes en arrière-plan.

C'est une tapisserie appelée Triomphe de l'été Il a été créé à Bruges en 1538 et réside actuellement au Musée national de Bayerisches. Vous pouvez clairement voir plusieurs objets en forme de disque dans le haut de la tapisserie.

Une coupe de bois trouvée à Nuremberg en Allemagne en 1561 représente un grand missile noir avec beaucoup d'autres dans le ciel. Des globes, des vaisseaux spatiaux cylindriques et le soleil sont également représentés.

L'illustration montre une observation par deux navires néerlandais en mer du Nord d'un objet se déplaçant lentement dans le ciel. Il semblait être composé de deux disques de taille différente. La source de ce récit est l'un des livres intitulés Théâtre Orbis Terrarum par l'amiral Blaeu. Ces livres étaient des compilations d'articles de différents auteurs et consistaient en des récits détaillés de longs engagements en mer, des informations cartographiques, etc.

En France, il y avait une pièce frappée en 1680 qui montre un OVNI en forme de disque en vol stationnaire avec ce qui semble être des hublots ou des lumières autour du bord extérieur. En raison du fait qu'une pièce a été frappée représentant cet OVNI.


Vimanas – Ancient Aircraft en Egypte et en IndeEn Egypte, il existe une horloge étoilée pour la précession des équinoxes et une ampoule électrique qui date de 2600 av. Une pile électrique a été découverte dans une roche carbonée datée d'environ 500 000 ans.

15ème siècle

Rome“Prodigiorum Liber”

Illustration de la Renaissance d'une observation d'OVNI à Rome détaillée
dans un livre de l'historien romain Julio Obsequens.

Allemagne
Cette photo montre une observation d'OVNI au-dessus de Hambourg, Allemagne
Les objets ont été décrits comme ‘deux roues incandescentes’ –
4 novembre 1697 – Wheels – Roues à rayons.

Roues – 12 autour de 1 – Roue d'alchimie – Roue du karma
La Croix – ‘X’ – 4 sections – 4e Dimension – Temps

UFO’S dans l'art religieux

Dans cette peinture trouvée sur un tiroir en bois provenant de meubles conservés aux Earls D’Oltremond, en Belgique, Moïse est représenté recevant les tablettes des Dix Commandements, avec des "cornes enflammées". Plusieurs objets également enflammés sont dans le ciel avant lui. La date et l'artiste sont inconnus.

Jésus et les ovnis dans l'art religieux


“Le Baptême du Christ”Un objet en forme de disque projette des faisceaux de lumière sur Jean-Baptiste et Jésus – Fitzwilliam Musuem, Cambridge, Angleterre – Peint en 1710 par l'artiste flamand Aert De Gelder. Il représente un OVNI classique, planant, argenté, en forme de soucoupe, faisant briller des faisceaux de lumière sur Jean-Baptiste et Jésus. Qu'est-ce qui a pu inspirer l'artiste à combiner ces deux sujets ?

Fresque du 17ème siècle de la crucifiction – Cathédrale Svetishoveli à Mtskheta, Géorgie.
Notez les deux embarcations en forme de soucoupe de chaque côté du Christ.

“La Tébaïde”

Peint par Paolo Uccello – vers 1460-1465. La photo de droite montre un OVNI en forme de soucoupe rouge vu près de Jésus.
Le tableau est accroché à l'Académie de Florence.

Des fresques dans toute l'Europe qui révèlent l'apparition de vaisseaux spatiaux dans le ciel, y compris cette peinture de "La Crucifixion" peinte en 1350. Elle semble représenter un petit homme d'apparence humaine regardant par-dessus son épaule un autre OVNI comme s'il est à sa poursuite, alors qu'il vole dans le ciel dans ce qui est clairement un vaisseau spatial. L'embarcation principale est décorée de deux étoiles scintillantes, l'une rappelant les insignes nationaux des avions modernes. Cette peinture est suspendue au-dessus de l'autel du monastère Visoki Decani au Kosovo, en Yougoslavie.


“Glorification de l'Eucharistie” a été peint par Bonaventura Salimbeni en 1600.

Aujourd'hui, il se trouve dans l'église de San Lorenzo à San Pietro, Montalcino, Italie.
Que représente le « dispositif de type satellite Spoutnik » ?

Mère Marie

Une fresque du XIVe siècle de la Vierge à l'Enfant représente en haut à droite l'image d'un OVNI planant au loin. Un agrandissement de cette fresque révèle d'énormes détails sur cet OVNI, y compris des hublots. Cela semble indiquer une implication religieuse entre les ovnis et l'apparition de l'enfant Jésus.

Ce tableau s'appelle “La Madone avec Saint Giovannino”. Il a été peint au XVe siècle par Domenico Ghirlandaio (1449-1494) et fait partie de la collection Loeser du Palazzo Vecchio. Au-dessus de l'épaule droite de Marie se trouve un objet en forme de disque. Ci-dessous, un agrandissement de cette section et un homme et son chien peuvent clairement être vus en train de regarder l'objet.

“L'Assomption de la Vierge”

Peint vers 1490 par un artiste inconnu. Des "nuages" en forme de soucoupe intriguent les ufologues modernes. Est-ce que tant de personnes auraient pu apparaître dans le ciel en même temps ? Ou, les ovnis en forme de chapeau sont-ils si nombreux ici pour -ponctuer- certains événements comme étant particulièrement saints ?

La vie de Marie – Tapisseries du 14ème siècle
1330

‘La Magnifique’– – Notre-Dame à Beaune, Bourgogne

La peinture ci-dessus a été réalisée par Carlo Crivelli (1430-1495) et s'appelle "L'Annonciation avec Saint Emidius" (1486) et est exposée à la National Gallery de Londres. Un objet en forme de disque projette un faisceau lumineux de crayon dans le chakra de la couronne de Marie. Un agrandissement de l'objet est à côté de la peinture.

L'image ci-dessus représente Jésus et Marie sur ce qui semble être des nuages ​​lenticulaires. Le tableau s'intitule « Le miracle de la neige » et a été peint par Masolino Da Panicale (1383-1440) et se trouve à l'église de Santa Maria Maggiore, Florence, Italie.
Barry H. Downing’s La Bible et les soucoupes volantes (1968)

      La Bible, à la fois l'Ancien et le Nouveau Testament, est remplie de récits de rencontres avec des êtres divins. Abraham et le pot à feu fumant et une torche enflammée apparue dans le ciel en signe d'acceptation de son sacrifice

    Le Nouveau Testament contient également de nombreuses observations à consonance familière. Au premier plan se trouve la célèbre étoile de Bethléem que Matthieu rapporte que les sages - probablement des prêtres astronomes zoroastriens - ont suivi jusqu'à ce qu'il s'immobilise à l'endroit où se trouvait l'enfant (Matt. 2:9) - comportement le plus inhabituel pour une supernova, une comète ou une conjonction planétaire !

    La naissance elle-même avait été immédiatement annoncée par l'apparition d'un messager brillant de la gloire du Seigneur aux bergers dans les champs la nuit. (Luc 2:9)

    Downing, lui-même ministre, soutient que bon nombre des termes décrivant des lumières aussi glorieuses et brillantes pourraient être des descriptions d'ovnis. Même la forme que l'on croit être le Saint-Esprit qui a été vu descendre comme une colombe au baptême du Christ et le nuage brillant à la Transfiguration, (Matt. 17:1-8) pourrait avoir été un engin extraterrestre. Les hommes en vêtements brillants, tels que ceux que les disciples croyaient être Moïse et Élie à la Transfiguration, auraient alors été leurs occupants.

    Après la crucifixion, un autre de ces hommes est sorti du ciel, a roulé la pierre du tombeau et a annoncé la résurrection. Et bien sûr, à la fin de la mission de Jésus sur Terre, il s'éleva dans les airs et un nuage le fit disparaître de leur vue tandis que deux de ces mystérieux Hommes en Blanc consolaient les disciples (Actes 1:6-11).

    Nuages ​​lenticulaires – Peinture réalisée en 1420

    Cette fresque est située dans l'église San Francesco à Arezzo, en Italie.

    Géants dans la Bible - Histoires d'inondationsGenèse 6:4 Il y avait des géants sur la terre en ce temps-là et aussi après cela, lorsque les fils de Dieu entrèrent vers les filles des hommes, et qu'ils leur enfantèrent des enfants, ceux-là devinrent des hommes puissants qui étaient autrefois, des hommes de renommée.

    Nombres 13:33 Et là nous vîmes les géants, les fils d'Anak, qui venaient des géants; et nous étions à nos yeux comme des sauterelles, et ainsi nous étions à leurs yeux.

    Deutéronome 2:11 Qui aussi étaient considérés comme des géants, comme les Anakims, mais les Moabites les appellent Emims.

    Deutéronome 2:20-21 C'était aussi considéré comme une terre de géants: les géants y habitaient dans les temps anciens et les Ammonites les appellent Zamzummim Un peuple grand, et nombreux, et grand, comme les Anakims mais l'Éternel les a détruits avant eux et ils ont réussi eux, et habita à leur place :

    Deutéronome 3:11-13 Car seul Og, roi de Basan, est resté du reste des géants, voici, son lit était un lit de fer, n'est-ce pas à Rabbath des enfants d'Ammon ? Sa longueur était de neuf coudées, et sa largeur de quatre coudées, après la coudée d'un homme. Et ce pays, que nous possédions alors, d'Aroer, qui est près du fleuve Arnon, et de la moitié du mont Galaad, et ses villes, je l'ai donné aux Rubénites et aux Gadites. Et le reste de Galaad et tout Basan, étant le royaume d'Og, je donnai à la demi-tribu de Manassé toute la région d'Argob, avec tout Basan, qui était appelé le pays des géants.

    Deutéronome 9:2 Un peuple grand et grand, les enfants des Anakim, que tu connais, et dont tu as entendu dire: Qui peut se tenir devant les enfants d'Anak!

    Josué 12:4 Et la côte d'Og, roi de Basan, qui était du reste des géants, qui habitaient à Ashtaroth et à Edrei,

    Josué 13:12 Tout le royaume d'Og en Basan, qui régna à Ashtaroth et à Edrei, qui resta du reste des géants; car ceux-ci les frappa et les chassa.

    Josué 15:8 Et la frontière montait par la vallée du fils de Hinnom jusqu'au côté sud du Jébusien, c'est Jérusalem, et la frontière montait jusqu'au sommet de la montagne qui se trouve devant la vallée de Hinnom à l'ouest, qui est au bout de la vallée des géants vers le nord :

    Josué 17:15 Et Josué leur répondit: Si tu es un grand peuple, monte dans la région boisée, et coupe-toi là-bas dans le pays des Perizzites et des géants, si le mont Éphraïm est trop étroit pour toi .

    Josué 18:16-17 Et la frontière descendait jusqu'au bout de la montagne qui est devant la vallée du fils de Hinnom, et qui est dans la vallée des géants au nord, et descendait dans la vallée de Hinnom, pour du côté de Jebusi au sud, et est descendu à Enrogel, et a été tiré du nord, et est sorti à Enshemesh, et est allé vers Geliloth, qui est en face de la montée d'Adummim, et est descendu à la pierre de Bohan le fils de Ruben,

    2 Samual 21:20 Et il y eut encore une bataille à Gath, où était un homme de grande taille, qui avait à chaque main six doigts et à chaque pied six orteils, au nombre de vingt-quatre et lui aussi était né du géant .

    1 Chroniques 20:6 Et il y eut encore une guerre à Gath, où était un homme de grande taille, dont les doigts et les orteils étaient vingt-quatre, six à chaque main et six à chaque pied. géant.

    Autres références aux géants Les Annunaki – Dieux du ciel – (Anak, Anakim, Anakites, Nephilim, Arba, Rephaïtes). Anu, Pléiades, An, Anshar, Kishar, Antu, Ki, Gibil, Nusku, Gulu, Ninmah, Nergal, Cuthah, Kuta, Gudua, Gudea, Imdugud, Ningursu, Danu.

    Les géants avant le déluge

    Puis les Elohim (idiome hébreu d'un pluriel de grandeur ou de majesté (Gen. 1:1), utilisé pour désigner des dieux païens, ou des anges ou des juges comme représentants de Dieu, Elohim est pluriel dans le sens comme dans la forme. C'est l'étymologie , les racines les plus probables signifient soit “être fort,” soit “être devant,” la puissance et la prééminence de Dieu quant à EL (Heb. ‘el, Dieu) c'est un mot générique pour Dieu dans les langues sémitiques : araméen elah, arabe ilah, akkadien ilu. Dans l'AT, el est utilisé plus de deux cents fois pour Dieu. El a un pluriel, elim, parfois elhm en ougaritique mais les Hébreux n'avaient pas besoin de pluriel, bien qu'un terme pluriel , ‘elohim, était leur nom habituel pour Dieu.

    La racine dont 'el est dérivé peut provenir de ‘wl, “être fort” d'une racine arabe ‘ul, “être en face de” en tant que leader d'une racine hébraïque 'lh à laquelle 'el et 'elohim appartenaient tous les deux, avec le sens “fort” de la préposition el, “être en face de” et utilisant les mêmes prépositions, comme avançant l'idée de Dieu comme le but pour lequel tous les hommes recherchent .

    Une théorie vraiment satisfaisante est impossible, car 'el et les autres termes pour Dieu, ‘elohim et ‘eloha, sont tous d'origine préhistorique.) font leur retour dans Genèse 6:2, lorsque les “fils de Dieu” ont des relations sexuelles avec les « filles des hommes », et ils leur ont pris des épouses parmi toutes celles qu'ils ont choisies.

    Les résultats de cet événement engendrent Lamech (héb. lemekh, signifiant indéterminé), père de Noé, basé sa foi sur la délivrance promise de la malédiction adamique de Gen. 3:14-19, il prévoit, même faiblement, la venue de Un de ses descendants (cfr. 1 Chron. 1:3 Luc 3:36) qui enlèvera cette malédiction (cfr. Rom. 8:18-25). Jared était le père d'Enoch, qui, par tradition, a dicté à son fils environ 5800 av.

    “Les Lamentations de Jared” comment les dieux sont venus sur la terre et ont égaré sa propre tribu d'Adam et ces tribus de Caïn aussi.

    D'Adam à Noé, sept patriarches majeurs sont nés, Noé étant la huitième personne, comme le montre 2 Pierre 2:5. Notez que Caïn et Abel ne sont pas comptés pour un total de dix, mais Seth était le premier.

    Uta-Napishtim (Babylonian Noah) était le dixième roi de Babylone avant le déluge. La liste des rois sumériens mentionne cinq villes existant avant le déluge Eridu, Bad-tinia, Larak, Sippar et Shuruppak.

    • Le premier roi fut Alorus, qui régna 120 sari, soit 432 000 ans avant le Déluge (note 162 000 ans).
    • Abulim a régné pendant 28 800 ans.
    • Abolga régna 36 000 ans.
    • Deux autres rois ont régné pendant 64 800 ans. Ceux-ci représentaient les cinq villes. Pendant qu'ils étaient à Eridu, les rois du ciel ont régné pendant 64 800 ans avant le déluge.
    • Si huit rois ont régné pendant 241 200 ans, les cinq derniers rois totalisaient 140 400 ans. Un prêtre chaldéen, Berossos, écrivant en grec ca. 289 avant JC, a rapporté que, selon la croyance mésopotamienne, 432 000 ans se sont écoulés entre le couronnement du premier roi terrestre et l'arrivée du déluge. descendu du ciel au moment où le déluge balaya à nouveau la terre, la royauté fut descendue du ciel (Thorkild Jacobsen, The Sumerian King List, 1939, pp. 71, 77).

    Une analyse biblique du texte massorétique des âges des patriarches lorsque leurs fils sont nés montre que seulement 1 656 ans se sont écoulés entre la création et la chute d'Adam jusqu'au déluge et à la paternité de Sem.

    Genèse 6:4 “Il y avait des géants sur la terre en ces jours…, quand les fils de Dieu entrèrent vers les filles des hommes, et ils leur enfantèrent des enfants, ceux-là devinrent des hommes puissants (Nephilim) qui étaient d'autrefois , hommes de renom

    Les premiers textes sumériens les appelaient Anunaki, “ceux qui sont venus du ciel sur la terre.” Les Anakim comme dans Genèse 6:4 ce sont les fils des fils de Dieu, ils sont appelés les Nephilim (étymologie incertaine) ou géants (Heb. rapha, raphah, Heb. gibbor, puissant, Rephaïm de Canaan ancêtre d'Og, roi de Basan, Emims des Moabites, Zamzummims of Ammonites, Heb. murmurers, Zuzites (Zuzim) dans Gen. 14:5) qui étaient de vieux, des hommes de renom.

    Ce croisement peut être la raison pour laquelle les ancêtres croient que les relations sexuelles pourraient affecter la santé. On pourrait même soupçonner que les Anakim étaient peut-être les dieux grecs de la mythologie - les anges déchus - l'hébreu originel - certains n'ont pas survécu au déluge.

    La Genèse et le Talmud suggèrent tous deux que les Géants, qui en voulaient à Dieu d'avoir détruit leurs ancêtres, se sont mêlés des affaires de l'humanité.

    Finalement, Nimrod vu dans Genèse 10:8-10 “Et Cush engendra Nimrod : il commença à être un puissant (premier roi) sur la terre. Il était un puissant chasseur devant le SEIGNEUR : c'est pourquoi il est dit, De même que Nimrod le puissant chasseur devant le SEIGNEUR. la ville de Babel (Babylone).

    Cet individu était le début du royaume en Babylonie, et il est devenu le fondateur de Ninive et d'autres villes d'Assyrie. Il s'est distingué en tant que chasseur, souverain et constructeur. Il a vécu pendant un nombre indéterminé de siècles après le déluge, et était le petit-fils de Cham. C'était un homme audacieux et d'une grande force de main.

    Il a persuadé les hommes de ne pas attribuer à Dieu, afin de les amener dans une dépendance constante de sa propre puissance. Il a juré de construire une tour trop haute pour que les eaux puissent l'atteindre ! Se venger ainsi de Dieu pour avoir détruit leurs ancêtres !

    De nombreuses légendes se sont développées autour du nom de Nimrod, certaines affirmant qu'il était identique à "Ninus", un premier roi ou dieu babylonien (roi d'Assyrie, fondateur de Ninive, connu dans l'histoire sous le nom de Shamshi-Adad V de 811 AVANT JC). Encore une fois, certains ont associé Nimrod à la construction de la Tour de Babel (Genèse 11:1-9). D'autres l'ont identifié avec l'ancien roi de Babylonie, Gilgamesh (Épopée akkadienne de Gilgamesh, 5ème roi de la 1ère dynastie d'Érech après le déluge), mais il n'y a aucune preuve que les deux étaient identiques. Le Talmud souligne que pendant qu'Ésaü passait ses journées à chasser et qu'une flèche de son arc a tué le géant Nimrod (légendes de “Ninus” ou “Gilgamesh”). Nimrod est-il finalement mort après tout ce temps de Genèse 10 à 26 ?

    On lui attribua également, à lui et à son peuple, la construction d'Erech, d'Accad et de Calneh, dans le pays de Shinar. Assur, fils de Nimrod, bâtit Ninive, Rehaboth, Calah et Resen.

    Après le délugeAprès le déluge à Sumer, Emmerkar, Lugalbanda (Lugulbanda) et Gilgamesh (estimé à 3 000 av. J.-C.), furent parmi les premiers rois de la ville d'Erech.Les deuxième, troisième et cinquième souverains de la première dynastie d'Erech, qui ont suivi la première dynastie de Kish, qui a reçu la « royauté » du ciel immédiatement après le déluge. Certains pensent que cette inondation s'est produite en 4000 av. et était différent de celui compilé dans le récit de la Genèse. Lugalbanda était un dieu et roi berger d'Uruk (Erech) où il fut vénéré pendant plus de mille ans. Peut-être le troisième roi d'Uruk après le grand déluge. Gilgamesh (Akkadian Epic of Gilgamesh, 5ème roi de la 1ère dynastie d'Erech après le déluge) a présenté à Lugulbanda les cornes du Taureau du Ciel.

    Vers 3200 av. Ménès consolidait la Haute et la Basse Égypte, Sumer prospérait, puis les peuples sémitiques sont apparus avec Sargon (2550-2400 av. J.-C.) conquérant Erech (Uruk), Ur, E-Ninmar, Lagash, jusqu'aux montagnes d'Elam, Crète et fédérer le territoire. Sargon, roi d'Agade, vice-régent de la déesse Ishtar, roi de Kish, pashishu (une classe de prêtre qui préparait et appliquait les onguents) du dieu Anu, roi de la terre, grand ishakku (grand prêtre) du dieu Enlil.

    Alexandre le Grand a eu deux rencontres d'OVNI qui ont été enregistrées. Lors de son invasion de l'Asie en 329, alors qu'il traversait une rivière, Alexandre et ses hommes virent ce qui était décrit comme des boucliers d'argent étincelants dans le ciel. Les objets se sont abattus à plusieurs reprises sur les soldats, éparpillant des hommes et des chevaux et créant une véritable panique.

    Sept ans plus tard, alors qu'ils attaquaient une ville vénitienne en Méditerranée orientale, des observateurs des deux côtés du conflit ont rapporté un autre événement incroyable. Des objets sont apparus dans le ciel. L'un des objets a soudainement projeté un faisceau de lumière sur le mur de la ville, le réduisant en poussière. Cela a permis aux troupes d'Alexandre de prendre facilement la ville.

    Ce qui suit est un rapport tiré du Revue nord-américaine, 3:320-322, 1816 – un rapport que l'auteur E. Acharius apportait également à la Royal Academy. L'événement a eu lieu au-dessus du village Biskophsberga.

        Le 16 mai dernier (1816), étant une journée très chaude, et lors d'un coup de vent du sud-ouest, un ciel sans nuages, vers 16 heures, le soleil devint faible, et perdit son éclat pour ce degré, qu'il pouvait être regardé sans inconvénient à l'œil nu, (le soleil) étant d'un rouge foncé, ou presque de couleur vive, sans éclat.

      En même temps apparurent à l'horizon ouest, d'où soufflait le vent, pour surgir peu à peu, et en succession rapide, un grand nombre de boules, ou corps sphériques, à l'œil nu de la taille de la couronne d'un chapeau, et de couleur marron foncé.

      Plus ces corps, qui occupaient une largeur considérable quoique irrégulière du ciel visible, se rapprochaient du soleil, plus ils apparaissaient sombres, et au voisinage du soleil, devenaient entièrement noirs.

      A cette élévation, leur course (vitesse) semblait diminuer, et un grand nombre d'entre eux restaient pour ainsi dire immobiles, mais ils reprenaient bientôt leur ancien mouvement et s'accéléraient, et passaient dans la même direction avec une grande vitesse et presque horizontalement.

      Pendant cette course, les uns disparurent, les autres tombèrent, mais la plupart continuèrent leur progression presque en ligne droite, jusqu'à ce qu'ils soient perdus de vue à l'horizon oriental.

      Le phénomène dura sans interruption, plus de deux heures, pendant lesquelles des millions de corps semblables s'élevèrent continuellement à l'ouest, les uns après les autres de manière irrégulière, et continuèrent leur carrière exactement de la même manière (mentionnée ci-dessus).

      Aucun rapport, bruit, ni sifflement ou bourdonnement dans l'air n'a été perçu. Comme ces corps ralentissaient leur course au passage du soleil, plusieurs s'enchaînèrent, trois, six ou huit d'entre eux en ligne, réunis comme un coup de chaîne par une barre fine et droite mais en reprenant une course plus rapide (vitesse) , ils se séparèrent, et chacun ayant une queue après elle, apparemment de trois ou quatre brasses de longueur, plus large à sa base où elle adhérait à la balle, et diminuant progressivement, jusqu'à ce qu'elle se termine en une pointe fine (queues effilées).

      Au cours du parcours, ces queues qui avaient la même couleur noire que les boules, disparurent peu à peu.

      L'auteur poursuit en déclarant que certaines des balles sont venues sur Terre près d'un observateur. En approchant du sol, il a perdu sa couleur noire et est devenu difficile à voir jusqu'à ce qu'ils atteignent le sol et redeviennent plus visibles, mais cette fois sous la forme d'une boule de couleurs changeantes.

      Les gens les ont comparés à des bulles de savon. Ceux-ci ont ensuite disparu en laissant une fine pellicule : « une pellicule ou une pellicule à peine perceptible, aussi fine qu'une toile d'araignée, qui (elle-même) changeait encore de couleur, mais s'est rapidement asséchée et a disparu.

      Comme cet événement a duré des heures, tous les habitants du village en ont été témoins.

      1824 : étrange phénomène à Orenbourg Fin septembre 1824, les habitants d'Orenbourg, en Russie, ont été perplexes lorsqu'ils ont entendu quelque chose claquer sur le toit en forme d'oignon de l'église orthodoxe. Ils ont rapidement découvert de petits morceaux de métal symétriques tombant du ciel bleu clair. Des mois plus tard, le 25 janvier 1825, le même phénomène se reproduisit. Des échantillons du matériel ont été recueillis et envoyés à Saint-Pétersbourg (alors capitale de la Russie.)

      Dans Oeuvres vol. 11, page 644, un scientifique, M. Arago, a noté qu'une analyse chimique des objets avait montré qu'il s'agissait de 󈬶% d'oxyde de fer rouge et de soufre, et une perte (de masse) par allumage (combustion) 5% .”

      Étonnamment, les morceaux de métal ont montré des signes d'avoir été fabriqués. La chute du ciel d'Orenbourg a attiré l'attention du prince Pavel Vasilyevich Dolgorukii, le "bibliothécaire" des frères mystiques de l'ordre intérieur.

      Il s'agissait d'une émanation de la Loge Harmonia, fondée par Nikolai Novikov à Saint-Pétersbourg en 1780. Lorsque l'impératrice Catherine II supprima les loges maçonniques de Russie en 1792 et emprisonna Novikov, Dolgorukii et deux frères, Yuri et Nikita Troubezkoi, formèrent les Frères de l'Ordre Intérieur.

      Ils se mirent alors à rassembler des centaines de livres sur l'alchimie, le mysticisme et le paranormal, y compris des œuvres des occultistes les plus notoires de l'époque. La collection avait une première édition Originalschriften des Illuminatenordensekte d'Adam Weishaupt et des brochures de Jean-Baptiste Willermoz et de l'ayatollah Shaikh Ahmed Ahsai.

      Après la mort de Dolgorukii en 1838, la collection et peut-être une poignée de ces mystérieux artefacts d'Orenbourg passèrent en possession de sa fille, Mme. Nadyezhda de Fadeïev.

      En 1846, à l'époque de la guerre entre les États-Unis et le Mexique, Mme. La nièce de 15 ans de de Fadeyev, Elena Petrovna von Hahn, a passé l'été à lire tous les livres mystiques dans la bibliothèque de son grand-père décédé.

      Trente ans plus tard, en tant qu'auteur/occultiste Helena Blavatsky, elle a fait allusion aux faits étranges d'Orenbourg dans son livre, La doctrine secrètePlus d'un mystique russe a voyagé au Tibet via les montagnes de l'Oural à la recherche de connaissances et d'initiation dans les cryptes inconnues de l'Asie centrale. Et plus d'un est revenu des années plus tard avec une riche réserve d'informations qu'on n'aurait jamais pu lui donner nulle part en Europe.”

      Ce sentier, similaire au « chemin de fer souterrain » pour les esclaves noirs en fuite au début du XIXe siècle aux États-Unis, menait de Saint-Pétersbourg et de Moscou directement à Orenbourg. La collection Dolgorukii a disparu dans les années 1890, après Mme. la mort de de Fadeyev.

      Orenbourg est située juste au sud des montagnes de l'Oural à 600 kilomètres (360 miles) à l'est de Moscou. (Voir Le livre complet de Charles Fort, Dover Publications Inc., New York, NY, 1974. Les maîtres révélés par K. Paul Johnson, State University Press, Albany, NY, 1994, pages 19 à 22.)

      Exemple de Terre LumièreBonnycastle, R.H. American Journal of Science, 1837

          À neuf heures et quart le dimanche soir, le huitième jour de mai, de l'année présente (1837), mon attention tout en regardant le ciel fut attirée de force par l'apparition soudaine à l'est d'une large colonne de lumière brillante.

        D'abord, comme ma fenêtre donne sur la baie de Toronto et l'île basse qui la sépare du lac, je pris ce singulier pilier de lumière pour le reflet de quelque bateau à vapeur sur les nuages, mais ayant cherché le grand air sur la galerie qui domine une vue complète de la baie et de l'Ontario.

        J'étais convaincu que le météore était un effluence du ciel, car je le voyais maintenant s'étendre vers le haut depuis la ligne d'horizon est de l'eau jusqu'au zénith, dans une colonne bien définie, égale et large de lumière blanche forte, ressemblant dans une certaine mesure à celle de l'aurore, mais d'un éclat constant et d'un corps immuable, alors qu'il y avait peu ou pas de nuages.

        Ursa Major, alors proche du zénith, était située par rapport à cette colonne, à neuf heures et quart comme ci-dessous, la colonne passant presque verticalement entre (z) et (H) [l'auteur renvoie ici aux lettres grecques].

        Il n'y avait pas de lune, car ce jour-là elle se levait à 2h. 4m. par conséquent il faisait sombre, et le ciel n'était pas très nuageux, le météore fut vu avec le plus grand avantage à mesure que la nuit avançait.

        Il est passé très lentement et corporellement vers l'ouest, continuant à occuper l'espace de l'horizon au zénith, jusqu'à ce que la partie supérieure s'estompe d'abord lentement, puis le tout a progressivement disparu, après avoir atteint presque le nord-est.

        Un OVNI visite l'Ohio en 1858 Publié dans L'ami silencieux illustré

            , un mystérieux livre miniature est apparu dans les étals de la ville de New York. Juste assez grand pour tenir dans la paume et facilement caché dans une poche pour homme ou un sac à tricot pour femme,

          L'ami silencieux illustré

          Comme la page de titre de l'exemplaire de poche que je possède informe le public, le Ami silencieux est Un guide complet sur la santé, le mariage et le bonheur, embrassant des sujets jamais discutés scientifiquement auparavant - avec de magnifiques illustrations sur l'anatomie des poumons, l'accouchement, les monstruosités, les tumeurs utérines, les organes génitaux, les malformations, les maladies et C. Aussi, précieux et Reçus pratiques en médecine, en arts, etc. Et en 382 pages imprimées en caractères minuscules, le Dr Earl propose une gamme époustouflante de leurres pittoresques et curieux. Entre les publicités pour les coffres-forts masculins [préservatifs] en caoutchouc indien blanc et les remèdes à base de plantes contre la gonorrhée, se trouvaient des recettes pour rendre le bois plus durable que le fer et des conseils pratiques pour les magnétiseurs à temps partiel.

          Bien sûr, de nombreux livres de l'époque traitaient de sujets similaires, mais pas tout à fait avec le panache du Dr Earls : « Pour transférer un visage pâle et cireux à un visage de beauté, nous dit-il, prenez une douzaine de fer ordinaire. ongles, d'environ 2 pouces de long, une cuillère à soupe d'extrait d'aloes hepatica, mettez-les dans une grande bouteille et versez dessus deux litres d'eider, bouchez-les bien et secouez-les tous les jours pendant un mois, puis filtrez le liquide clair, et de cela, prenez une cuillère à soupe en vous levant et en vous couchant, lorsque toute pâleur quittera le visage et qu'il atteindra finalement la beauté.

          Que cette beauté soit atteinte dans la vie, ou finalement atteinte lors de la mort par empoisonnement du patient, le Dr Earl omet de dire. Parmi tous les pièges à huile de serpent contenus dans ce morceau divertissant d'Americana, il y a une entrée qui, par son étrangeté et son utilisation de noms et de lieux spécifiques, se démarque des autres. Aux pages 253-256, nous trouvons cette entrée surprenante :

          “Est-ce que les habitants d'autres planètes visitent jamais cette Terre ? Je propose à cet égard de faire quelques remarques sur ce qui suit : M. Henry Wallace et d'autres personnes de Jay, Ohio, m'ont récemment détaillé l'annexe. Il y a des milliers de tels cas enregistrés. Ces messieurs déclarent que parfois, depuis un jour clair et lumineux, une ombre était projetée sur l'endroit où ils se trouvaient, cela attira nécessairement leur attention vers les cieux, où ils virent tous un grand navire curieusement construit, pas plus de cent mètres de la terre. Ils pouvaient clairement discerner un grand nombre de personnes à son bord, dont la taille moyenne semblait être d'environ douze pieds. Le vaisseau était évidemment actionné par des roues et d'autres appendices mécaniques, qui fonctionnaient tous avec une précision et un degré de beauté encore jamais atteints par aucune compétence mécanique sur cette planète.

          Maintenant, je sais que des milliers de personnes, à ce récital, crieront à la mystification, à l'absurdité, à la folie, etc., mais je sais qu'il y en a d'autres milliers qui liront et réfléchiront. C'est pour ces derniers milliers que j'écris. Il était une fois un réformateur célèbre qui s'éleva parmi le peuple et enseigna une nouvelle doctrine qui, par son caractère raisonnable et sa simplicité, électrisait le cœur des gens pensants. Mais le parti qui ne pensait pas, et qui détestait la raison et les idées nouvelles, cria, parti avec lui jusqu'à la crucifixion. Et ils ont crucifié son corps, mais ils n'ont pas encore réussi à crucifier la raison, et de nouveaux faits et idées qui sont enseignés.

          Compte tenu de ce qui précède, je me permets d'avancer les remarques suivantes : je crois que le temps viendra où tous les habitants de tous les mondes ou planètes du système solaire se rendront régulièrement des choses, un échange d'idées et de marchandises, des visites et des salutations entre les habitants respectifs de tous les mondes ou planètes, seront communs et universels. Je crois que les grandes aspirations d'une humanité avancée sur cette terre, ne sont pas sans une bonne cause et une bonne raison.

          Je crois que lorsque les atmosphères respectives vues entourant les différentes planètes du système solaire, en effet, de chaque partie de l'univers, seront passées dans la plus haute condition d'excellence et de pureté dont elle est capable, qu'elle donnera alors vie à une condition plus exaltée et finie des genres et des espèces, ou des habitants. Que toutes les planètes soient maintenant habitées par une sorte d'êtres adaptés à leurs conditions planétaires et électriques respectives, c'est, je pense, certain. Et que les habitants de milliers de ces mondes, qui roulent avec une beauté éternelle dans les régions illimitées de l'immensité de l'espace, ont atteint cet état avancé dans leur être planétaire, je n'en doute pas.

          Et que ce vaisseau que M. Wallace et d'autres ont vu, était un vaisseau de Vénus, Mercure, ou la planète Mars, en visite de plaisir ou d'exploration, ou quelque autre cause que j'ai moi-même, avec les preuves à portée de main, que je peux apporter pour m'en occuper, je n'ai pas plus de doute que je n'en ai du fait de ma propre existence. Ceci, esprit, n'était pas un fantôme qui a disparu en un clin d'œil, comme tous les fantômes disparaissent, mais ce vaisseau aérien était guidé, propulsé et dirigé dans l'atmosphère avec le système et la régularité les plus scientifiques, à environ six milles à l'heure, cependant, sans aucun doute. , d'après l'apparence de ses machines, elle était capable d'aller à des milliers de milles à l'heure, et qui sait à dix mille milles à l'heure. Quoi de plus merveilleux comme illustration que le télégraphe électrique pour relier l'ancien monde au nouveau. Et pourquoi alors, les génies scientifiques des autres planètes n'ont-ils pas fait autant que les nôtres ?

          En plus de cela, si j'avais de la place, je pourrais tirer un argument de l'état électrique des médias existant entre les planètes, pour montrer qu'un corps une fois en mouvement à une distance donnée d'un corps planétaire dans l'espace, se déplacera à peu près à la vitesse d'électricité jusqu'à ce qu'il rencontre à nouveau les milieux résistants, ou l'atmosphère d'une autre planète ou corps dans l'espace. Que toute cette connaissance, et un million de fois plus, puisse être connue de certains des êtres exaltés d'autres planètes dans l'espace, je n'en doute pas. Mais comme je le disais, ce vaisseau aérien s'éloigna directement de la terre, et resta en vue, jusqu'à ce qu'à distance elle soit perdue de vue. Ce qui précède est ma conclusion ferme et décidée et ma conviction dans cette affaire.”

          Le Dr Earl a vécu pour publier un nouvel ami silencieux illustré et agrandi, ainsi que The Parent’s Companion Sur les maladies des nourrissons et des enfants La femme ses devoirs, ses relations et sa position qui tue la vie des affaires à haute pression tout en 1878 et catalogué par la Bibliothèque du Congrès.

          Bien sûr, le nœud du problème est le suivant : y avait-il vraiment un Henry Wallace de Jay, Ohio ? L'endroit le plus logique pour rechercher serait les anciens registres du recensement de l'Ohio, et c'est exactement ce que j'ai décidé de faire. En raison de difficultés logistiques (j'habite à l'autre bout du monde), j'ai contacté la Ohio Historical Society via Internet, payé les frais requis, inclus une enveloppe-réponse avec ma demande écrite et reçu par courrier la lettre suivante datée du 21 avril , 1999 :

          Concernant votre demande de renseignements du recensement de 1850, veuillez consulter les documents ci-joints. Vous noterez qu'il y a plusieurs “Henry Wallace” répertoriés dans l'Index du recensement fédéral de l'Ohio, malheureusement, aucun d'entre eux n'est répertorié dans un comté qui comprend une ville du nom de Jay. Cependant, il existe une ville nommée Jay dans le comté d'Erie, juste à l'est du comté de Lorain. Nous avons donc copié la liste du comté de Lorain pour un Henry Wallace dans l'espoir que c'était l'homme qui vous intéresse.

          Les pages jointes comprenaient des copies du recensement de 1860 de l'Ohio. J'ai parcouru l'écriture manuscrite antique et arachnéenne, et il était là ! Henry Wallace du comté d'Eerie, et vraisemblablement de Jay, était le numéro 549 dans les dossiers. Son âge en 1860 était de 30 ans. Il était marié à Cloe, 28 ans, et avait une fille nommée Eva B qui avait 12 ans et 8 mois à l'époque. Henry et sa femme étaient irlandais, sa profession était répertoriée comme "marin". De plus, l'entrée juste avant Henrys est pour un certain David Wallace, 27 ans, et également d'Irlande. Lui aussi avait une femme et une jeune fille à charge. L'occupation de David est répertoriée comme “Ship Carpenter.”

          Vraisemblablement, David et Henry étaient frères et voisins à Jay. Une lecture plus approfondie de la page indique que leur quartier était principalement composé de marins, de meuniers, d'agriculteurs et de domestiques, c'est-à-dire qu'Henry et sa famille semblent avoir été membres des travailleurs pauvres de l'époque. Leur position dans la société était sans aucun doute difficile, comme celle de nombreux immigrants irlandais. Ajoutez à cela la probabilité qu'Henry Wallace correspondait avec le Dr Earl à cause d'une maladie sexuellement transmissible contractée au cours de sa vie de marin, et une image intéressante se dégage : soit le marin était un artiste de blarney consommé exerçant son don sur un grand vendeur d'huile de serpent de la ville, ou Wallace était une personne simple qui disait la vérité à quelqu'un qu'il croyait à tort être un homme de science.

          Les « autres personnes », mentionne le Dr Earl ci-dessus, pourraient bien provenir de ce quartier de pauvres de la petite ville de Jay, dans l'Ohio. Sans aucun doute, Henry Wallace n'a jamais soupçonné que le Dr Earl le mentionnerait par son nom dans son étrange petit livre et nous permettrait ainsi d'apercevoir ce pauvre homme et ceux qui auraient pu assister à l'un des spectacles les plus extraordinaires qu'un humain puisse voir.Quelles pensées auraient pu traverser leur esprit en présence d'un dirigeable planant si près de la terre qu'il montrait clairement son équipage de géants et la machinerie complexe qui le faisait voler ? Et puis le regarder se déplacer dans les airs jusqu'à ce qu'il soit perdu de vue !

          Base de données d'observations d'OVNI de MagnoliaJuillet 1868 Copiago (Chili).

          Une étrange construction aérienne portant des lumières et faisant des bruits de moteur a survolé cette ville à basse altitude. La population locale l'a également décrit comme un oiseau géant couvert de grandes écailles produisant un bruit métallique. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un atterrissage réel, il s'agit du premier cas d'observation rapprochée d'un objet inconnu à basse altitude au XIXe siècle.

          Base de données d'observations d'OVNI de Magnolia07 décembre 1872 Banbury (Grande-Bretagne). À King’s Sutton, un objet à 0100 heures ressemblant à une botte de foin a volé sur une trajectoire irrégulière. Tantôt élevé, tantôt très bas, il était accompagné d'un feu et d'une fumée dense. Il a produit le même effet qu'une tornade, abattant des arbres et des murs. Il a soudainement disparu. (Fort 189)

          Peut. 15, 1879 Golfe Persique. Deux très grandes « roues » ont été vues en train de tourner dans les airs et de remonter lentement à la surface de la mer. Diamètre estimé : 40 m. Distance entre les objets : 150 m. Vitesse : 80 km/h/ Durée : 35 min. Témoins à bord du navire “Vultur” (Round up 17 Anatomy 12)

          1880 Aldershot (Grande-Bretagne). Un être étrange vêtu de vêtements moulants et d'un casque brillant s'est envolé au-dessus de la tête de deux sentinelles, qui ont tiré sans résultat. L'apparition les a assommés avec quelque chose décrit comme “blue fire.” (FSR 61, 3 Magonia)

          1880 Est du Venezuela. Un garçon de 14 ans a vu une boule lumineuse descendre du ciel et planer près de lui. Il s'est senti en quelque sorte "attiré", mais a réussi à reculer malgré sa terreur. (Lor. III 2O6)

          Capron, J. Rand Nature, 1882 (Auroral “meteor”/OVNI)

          Il m'est arrivé de me tourner vers le sud, où la lune (avec une lumière cendree très prononcée sur sa partie sombre) était presque sur le méridien, quand j'ai vu un faisceau de lumière blanche brillante en forme de fuseau, tout à fait différent d'un rayon auroral, s'était formé. dans l'est. Tandis que je regardais, celui-ci monta lentement de sa position, monta au zénith et le dépassa, traversant progressivement apparemment au-dessus de la lune, puis s'enfonça vers l'ouest, diminuant lentement de taille et d'éclat au fur et à mesure qu'il le faisait, et s'estompant lorsqu'il atteignit le horizon. La forme particulière de long fuseau, le mouvement de glissement lent et la lumière argentée rougeoyante, et l'isolement marqué de ce nuage des autres parties de l'aurore en ont fait un objet des plus remarquables, et je ne me souviens pas avoir vu quelque chose de similaire dans aucune aurore antérieure.

          Étrange cylindre de feuLe magazine météorologique mensuel de Symon, 1869

              Notre dans le comté de Cheatham [Tennessee] vers midi mercredi – une journée remarquablement chaude – à la ferme d'Ed. Sharp, à cinq milles d'Ashland, une sorte de tourbillon est venu sur les bois voisins, prenant de petites branches et feuilles d'arbres et les enfouissant dans une sorte de cylindre enflammé qui voyageait à une vitesse d'environ cinq milles à l'heure, développant la taille comme ça a voyagé.

            Il est passé directement au-dessus de l'endroit où un attelage de chevaux se nourrissait et leur a brûlé la crinière et la queue jusqu'aux racines, puis il a balayé vers la maison, emportant un tas de foin dans son parcours.

            Il a semblé augmenter en chaleur au fur et à mesure qu'il avançait, et au moment où il a atteint la maison, il a immédiatement mis le feu aux bardeaux d'un bout à l'autre du bâtiment, de sorte qu'en dix minutes toute la maison a été enveloppée de flammes.

            La haute colonne de calorique ambulant continua alors sa course sur un champ de blé récemment bercé, mettant le feu à toutes les piles qui se trouvaient sur sa route.

            Passant du champ, son chemin s'étendait sur une étendue de bois qui atteignait la rivière. Les feuilles vertes des arbres étaient réduites en cendres sur une largeur de 20 mètres, en ligne droite jusqu'au Cumberland.

            Lorsque la « colonne de feu » a atteint l'eau, elle a soudainement changé de route le long de la rivière, soulevant une colonne de vapeur qui est montée jusqu'aux nuages ​​​​sur environ un demi-mile, avant de finalement s'éteindre.

            Pas moins de 200 personnes ont été témoins de ce phénomène des plus étranges, et toutes racontent sensiblement la même histoire à ce sujet.

            Note personnelle : ce qui se déplace au niveau de la cime des arbres apparaissant comme une "sorte de cylindre enflammé" et qui brûle tout ce qu'il approche sur une grande distance, et qui ne fait pas partie d'une tempête, et est capable de se déplacer en ligne droite, et a tellement de chaleur soutenue qu'il peut envoyer un vaste nuage de vapeur sur une distance d'un demi-mile une fois qu'il suit une rivière ?

            Noble, William Connaissances, 1883

                Est-ce que l'un de mes frères lecteurs de la connaissance peut offrir une explication possible d'un phénomène très remarquable auquel j'ai été témoin à 10h. 35m. après-midi le mardi 28 août ? Je venais de sortir de mon observatoire quand, au point E. N. E. de l'horizon sous les Pléiades, j'ai vu une lumière brillante. Ma première pensée fut que la lune se levait, mais une réflexion instantanée a suffi pour me rappeler qu'elle ne serait pas debout avant les deux prochaines heures. En voyant la lumière devenir de plus en plus brillante, j'ai vu qu'elle projetait une sorte d'illumination radiale vers le haut, dont j'ai essayé de reproduire l'effet dans le petit croquis approximatif qui l'accompagne.

              Comme on le verra, quelques cumulo-stratus lointains, proches de l'horizon, la traversèrent. Pendant un instant, j'ai imaginé que j'assistais à l'apparition d'une nouvelle et des plus glorieuses comètes mais, alors que je regardais, la "queue" a disparu et ce qui représenterait le noyau a éclaté avec brio.

              Ensuite, j'ai décidé qu'une maison, une grange ou une botte de foin éloignée était en feu et je suis retourné à l'observatoire pour un télescope de 3 pouces, que je garde pour regarder le paysage.

              Avant que j'aie eu le temps, cependant, d'entrer par la porte, chaque vestige d'illumination a disparu aussi soudainement qu'il était apparu, et après avoir attendu en vain pendant un certain temps, je suis sorti de l'observatoire et suis entré dans la maison. J'ai diligemment demandé s'il y avait eu un incendie quelque part dans cette partie du Sussex la nuit dont je parle, mais il n'y en a eu aucun.

              Base de données d'observations d'ovnis Magnolia02 novembre 1885 Scutari (Turquie). Un objet lumineux a fait le tour du port. Altitude : 5-6 m. Illuminé toute la ville. Durée : 1 1/2 min, en flamme bleu-vert. Puis plongé dans la mer. Fait plusieurs cercles au-dessus de l'embarcadère du ferry-boat. (LDLN 48 Anatomie 14)

              12 novembre 1887 Cape Race (Océan Atlantique). Une énorme sphère de feu a été observée s'élevant de l'océan par des témoins à bord du "Sibérien". 8221 vers le sud-est. Durée : 5 min. (LDLN 48 Anatomie 14)

              28 mars 1897 Omaha (Nebraska). La majorité de la population a observé un objet arrivant du sud-est. Cela ressemblait à une énorme lumière, a volé lentement vers le nord-ouest, est venu à basse altitude. Une foule s'est rassemblée au coin d'une rue pour le regarder.

              01 avril 1897 Everest (Kansas). Toute la ville a vu un objet voler sous le plafond nuageux. Il est descendu lentement, puis s'est envolé très vite vers le sud-est. Directement au-dessus de la ville, il balayait le sol de sa puissante lumière. On l'a vu monter à une vitesse fantastique jusqu'à ce qu'il soit à peine discernable, puis redescendre et balayer les témoins. A un moment, il est resté stationnaire pendant 5 min au bord d'un nuage bas, qu'il a illuminé. Tous pouvaient clairement voir la silhouette de l'engin. (RSF 66, 4)

              12 avril 1897 Nilwood (Illinois). Sur la propriété de Z. Thacker, à 19 km au nord de Carlinville, un objet inconnu s'est posé. Avant que les trois témoins n'aient pu l'atteindre, l'engin, qui avait la forme d'un cigare avec un dôme, s'est élevé lentement et est parti majestueusement vers le nord. Témoins : Edward Teeples, William Street et Franklin Metcalf. (186 Anatomie 12)

              12 avril 1897 Girard, près de Green Ridge (Illinois). Une grande foule de mineurs a vu un objet inconnu atterrir à 3 km au nord de Green Ridge et à 4 km au sud de Girard. L'opérateur de nuit du Chicago-and-Alton Railroad, Paul McCramer, a déclaré qu'il s'était approché suffisamment de l'engin pour voir un homme en sortir pour réparer les machines. Des traces ont été trouvées sur une grande surface. L'objet lui-même était allongé comme un navire avec un toit et une double verrière. Il est parti vers le nord. (186,187)

              14 avril 1897 Gas City (Indiana). Un objet a atterri à 2 km au sud de Gas City sur la propriété de John Roush, terrifiant les agriculteurs et provoquant la ruée des chevaux et du bétail. Six occupants du navire sont sortis et ont semblé effectuer quelques réparations. Avant que la foule ne puisse s'approcher de l'objet, il s'est élevé rapidement et a volé vers l'est. (188)

              15 avril 1897 Linn Grove (Iowa). Un gros objet a été vu voler lentement vers le nord. Il semblait prêt à atterrir et cinq hommes (F. G. Ellis, James Evans, David Evans, Joe Croaskey, Benjamin Buland) se sont dirigés vers lui. À environ 7 km au nord de Linn Grove, ils ont trouvé l'engin au sol, s'en sont approchés à moins de 700 m mais il a déployé ses quatre ailes géantes et s'est élevé vers le nord. - se caler. Des témoins ont été surpris par la longueur de leurs cheveux. La plupart des habitants de Linn Grove ont vu l'engin en vol. (190)

              15 avril 1897 Howard-Artesian (Dakota du Sud). Un objet volant se rapprochant de plus en plus du sol suivait un train, tel que rapporté par l'ingénieur, Joe Wright (FSR 66,4)

              15 avril 1897 Perry Springs (Missouri). Un train de voyageurs sur la ligne Wabash, allant vers Quincy, a été suivi par un objet volant à basse altitude pendant 15 min entre Perry Springs et Hersman. Tous les passagers ont vu l'engin, qui avait une lumière rouge et blanche. Après Hersman, il vola devant le train et disparut rapidement, bien que le train roulait alors à 65 km/h. (190)

              16 avril 1897 Township de Downs (Illinois). Date approximative. Alors qu'il travaillait dans son champ, Haney Savidge a vu un engin aérien atterrir près de lui. Six personnes en sont sorties et lui ont parlé quelques minutes avant de repartir. (191)

              17 avril 1897 Williamston (Michigan). Au moins une douzaine d'agriculteurs ont vu un objet manœuvrer dans le ciel pendant une heure avant d'atterrir. Un homme étrange de près de 3 m de haut, presque nu et souffrant de la chaleur, était le pilote de l'engin. « Son discours, bien que musical, semblait être une répétition de beuglements. » Un fermier s'approcha de lui et reçut un coup qui lui cassa la hanche. (196)

              19 avril 1897 Leroy (Kansas). Alexander Hamilton fut réveillé par un bruit parmi le bétail et sortit avec son fils et son locataire. Ils ont vu un objet allongé en forme de cigare, d'environ 100 m de long avec une cabine transparente en dessous montrant d'étroites bandes rougeâtres, planant à 10 m au-dessus du sol. Ils s'en sont approchés à moins de 50 m. Il était illuminé et équipé d'un projecteur. À l'intérieur se trouvaient « six des êtres les plus étranges » que le témoin ait vus, également décrits comme « hideux. » Ils parlaient une langue qu'aucun témoin ne pouvait comprendre. Une vache a été traînée par l'objet à l'aide d'un solide câble rouge. Elle a été retrouvée massacrée dans un champ le lendemain. (Anatomie 16 Magonia)

              22 avril 1897 Rockland (Texas). John M. Barclay a été intrigué lorsque son chien a aboyé furieusement et qu'un bruit aigu a été entendu. Il est sorti, a vu un objet volant tourner à 5 m au-dessus du sol. Allongé de protubérances et de lumières aveuglantes, il s'est assombri lorsqu'il a atterri. Barclay a été accueilli par un homme qui lui a dit que son objectif était pacifique et a demandé des articles de quincaillerie courants pour réparer l'engin. Il a payé avec un billet de dix dollars et a décollé comme une balle dans un fusil. (192 Magonia)

              22 avril 1897 Josserand (Texas). Frank Nichols, qui vivait à 3 km 2400 à l'est de Josserand et était l'un de ses citoyens les plus respectés, a été réveillé par un bruit de machine. En regardant à l'extérieur, il a vu un objet lourd et lumineux atterrir dans son champ de blé. Il se dirigea vers elle, fut arrêté par deux hommes qui lui demandèrent la permission de puiser de l'eau à son puits. Il a ensuite eu une discussion avec une demi-douzaine d'hommes, l'équipage de l'étrange engin. On lui a dit comment cela fonctionnait mais n'a pas pu suivre l'explication. (193 Magonie)

              23 avril 1897 McKinney Bayou (Arkansas). Le juge Lawrence A. Byrne de Texarkana, Arkansas, arpentait une étendue de terre quand il a vu un objet particulier ancré sur le sol. “Il était habité par trois hommes qui parlaient une langue étrangère, mais à en juger par leur apparence, on les prendrait pour des Japonais.” (Farish, in Allende Letters (Award Special, 1968))

              25 avril 1897 Merkel (Texas). Des personnes revenant de l'église ont observé un objet lourd traîné sur le sol par une corde attachée à un engin volant. La corde s'est coincée dans une voie ferrée. L'engin était trop haut pour que sa structure soit visible mais des protubérances et une lumière pouvaient être distinguées. Au bout de 10 min environ, un homme descend le long de la corde qui en coupe l'extrémité et remonte à bord de l'engin qui s'envole vers le nord-est. L'homme était petit et vêtu d'un uniforme bleu clair. (194 Magonie)

              26 avril 1897 Aquila-Hillsboro (Texas). Date approximative. Un avocat a été surpris de voir un objet lumineux survoler. Son cheval était sacré et faillit renverser la voiture. Lorsque la lumière principale a été éteinte, un certain nombre de petites lumières sont devenues visibles sur le dessous de l'objet sombre, qui supportait un auvent allongé. Il descendait vers une colline au sud, à 5 km d'Aquila. Lorsque le témoin était sur le chemin du retour une heure plus tard, il a vu l'objet s'élever. Il a atteint l'altitude du plafond nuageux et a volé vers le nord-est à une vitesse fantastique avec des éclairs de lumière périodiques.

              1909 : le dirigeable bourdonne sur la plage de Nouvelle-ZélandeLa Nouvelle-Zélande a été visitée à plusieurs reprises par des ovnis, alors connus sous le nom de "dirigeables" en 1909. Le samedi soir (24 juillet 1909), une demi-douzaine de garçons jouaient sur la plage de Kaka Point près de M. Bates (résidence) et ont vu un énorme objet illuminé se déplaçant dans les airs.

              Il semblait qu'il allait se poser à Kaka Point. Sa lumière se reflétait distinctement sur le toit du cottage de M. Fitzgerald. Les garçons pensaient qu'il était attiré par leur lanterne et l'ont laissé sur la plage. Le dirigeable a ensuite glissé autour des rochers de l'ancienne station de pilotage et est presque entré en contact avec eux. Il a disparu peu de temps après. Les garçons ont dit que c'était aussi grand qu'une maison.

              Le dimanche soir (25 juillet 1909), l'objet mystérieux a de nouveau fait son apparition sur la plage et a été vu par M. George Smith et M. Poulter vers 8h30. M. Smith l'a vu à travers un verre de nuit très puissant. Il était apparemment au-dessus de la maison de M. Aitkenhead lorsqu'il l'a vu pour la première fois, mais il a plané haut dans les airs et a navigué vers le nord en direction de Kaitangata, plongeant vers l'ouest et l'est et disparaissant finalement à l'horizon.

              Vers 10 h 30, M. Smith a été appelé par M. Poulter pour voir le dirigeable qui avait de nouveau fait son apparition. Cette fois, il s'est dirigé vers la mer et a finalement disparu. Vu à travers la vitre, M. Smith a déclaré qu'il s'agissait d'une superstructure sombre de bonne taille avec un phare puissant et deux plus petits (lumières) sur le côté.

              1954 : un OVNI visite l'IndeL'une des observations d'OVNI les plus étranges en Inde s'est produite le 15 septembre 1954 à Manbhum, dans l'État du Bihar. Ijapada Chatterjee travaillait dans son bureau à la mine de mica à l'extérieur de Manbhum ce jour-là (il était le directeur) lorsqu'il a entendu les mineurs crier. Se précipitant à l'extérieur, Chatterjee a regardé un objet en forme de soucoupe descendre à une altitude d'environ 500 pieds. L'OVNI a plané, puis s'est envolé vers le haut à une vitesse formidable, provoquant une énorme rafale de vent. L'objet a été vu au-dessus d'une mine qui a fourni du bérylium à la Commission de l'énergie atomique des États-Unis.”

              Les astronomes et les scientifiques ont vu des OVNISDes revues du MUFON

              Brian Zeiler rapporte que plus d'astronomes qu'on ne le pense généralement ont vu des ovnis. La liste est compilée dans une compilation de données de 1964 du NICAP, un groupe civil sur les ovnis avec pour la plupart des doctorats au conseil d'administration. Groupe très scientifique, pragmatique, académique.

              Le 10 juillet 1947, un astronome de haut niveau a vu un objet elliptique qui planait, vacillait, s'élevait soudainement.

              En août 1949, Clyde W. Tombaugh, astronome a vu un motif circulaire de lumières rectangulaires, gardant un intervalle fixe.

              Été 1948, Carl Mitchell, physicien a vu trois disques verdâtres luminescents à une seconde d'intervalle, traverser le ciel de N à S. Le 20 mars 1950, Seymour L. Hess, météorologie et astronomie a vu un disque ou une sphère en apparence “powered&# 8221 vol.

              Le 3 août 1951, Walter Webb, un astronome, a vu une lumière brillante brillante se déplacer sur un chemin ondulant.

              En 1952, W. Gordon Graham, astronome, a vu un OVNI ressemblant à un anneau de fumée, de forme elliptique, et ayant deux points lumineux le long de son axe principal se déplacer d'ouest en est.

              Le 5 août 1952, James Bartlett, astronome a vu au cours de l'observation diurne de Vénus un vol de deux disques d'un diamètre d'environ 30 minutes d'arc passer au-dessus et tourné vers l'est. Puis deux autres disques avec des saillies en forme de dôme au centre.

              Le 11 juin 1954, H. Percy Wilkins, un astronome, a vu deux objets argentés "comme des plaques de métal poli" se déplaçant contre le vent. Un troisième ovale grisâtre traversait le ciel.

              Le 25 novembre 1954, Marcos Guerci, météorologue, a vu deux objets lumineux observés depuis l'aéroport l'un apparemment semi-circulaire, l'autre circulaire.

              07/12/54 R. H. Kleyweg, météorologue. Disque hémisphérique suivi à travers un théodolite.

              01/11/55 Frank Halstead, astronome. Un objet en forme de cigare suivi d'un disque bombé.

              18/06/57 Henry Carlock, physicien. L'observation du ciel avec un télescope a aperçu deux fois un OVNI avec un halo autour et "ce qui semblait être trois hublots".

              10/11/57 Jacques Chapuis, astronome à l'Observatoire de Toulouse a vu un objet semblable à une étoile jaune manœuvrant pendant 5 minutes. L'OVNI est finalement monté tout droit hors de vue.

              22/5/60, Personnel de l'Observatoire Majorque . OVNI triangulaire d'environ 1/4 de la taille apparente de la lune aperçu à 9h33, tournant sur son axe tout en suivant une trajectoire stable.

              16/03/61 R. J. Villela, un météorologue en Antarctique a vu un objet semblable à une boule de feu en vol à basse altitude.

              20/5/62 C. A. Maney, un physicien avec six autres a vu une lumière de manœuvre, tourner brusquement, et faire des changements soudains de vitesse. Ces rapports ne couvrent que 1964, donc cela devrait annihiler le mythe selon lequel les astronomes et les scientifiques ne voient pas les ovnis.