Vierge à l'enfant avec sainte Anne de Léonard de Vinci

Vierge à l'enfant avec sainte Anne de Léonard de Vinci


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Le thème de la Vierge à l'Enfant avec sainte Anne était un thème populaire à Florence au XVe siècle.

La caricature est largement considérée comme un travail préparatoire pour une peinture en raison de sa taille, elle est dessinée sur huit feuilles de papier et mesure plus de 140 cm (55 pouces) de haut.

Mais le dessin n'a pas été piqué pour le transfert sur toile et aucune peinture de Léonard de Vinci ne correspond à la composition. La peinture de Da Vinci La Vierge et l'Enfant avec Sainte Anne, qui est accrochée au Louvre, omet Saint Jean et a une composition plus rigide et moins naturaliste.

Dessiné au fusain et à la craie sur papier teinté, le carton est un bon exemple de la composition complexe et du réalisme de da Vinci. L'œil suit le regard de Sainte Anne vers sa fille Marie qui à son tour regarde avec adoration l'enfant Jésus. Les enfants sont curieux, Jésus s'écarte de sa mère et lève la main comme pour bénir son cousin transis.

L'expression innocente du Christ reflète celle de sa mère tandis que celle de John rappelle le regard plus entendu de sa grand-mère. La main de sainte Anne pointe vers le ciel, entre les visages des deux jeunes garçons. Cependant la symbolique religieuse ne s'immisce pas dans l'intimité de ce charmant portrait de famille. Comme Anne et Marie semblent partager un moment privé, Jean et Jésus aussi.

La lumière s'installe sur Marie et Jésus, indiquant clairement qu'ils sont au centre. Anne et John sont plus ombragés. Encore une fois, cela attire l'attention sur le lien entre Marie et Jésus, et leur innocence par rapport à la mondanité relative d'Anne et de Jean.

La structure est une pyramide lâche. Il y a une ligne diagonale forte des visages des femmes aux garçons, et une autre créée par les genoux des femmes et l'épaule de St John.

Le Caricature de Sainte Anne, également connue sous le nom de Caricature de Burlington House d'après la résidence londonienne de la Royal Academy of Arts, est maintenant exposée à la National Gallery de Londres. En 1962, il a été mis en vente mais était considéré comme si important que le National Arts Collections Fund, ainsi que les dons du public, ont collecté suffisamment d'argent pour le conserver au Royaume-Uni.

En 1987, il a été vandalisé avec un fusil de chasse causant d'importants dégâts, qui ont depuis été réparés.

Bien qu'inachevé, l'œuvre est largement considérée comme un chef-d'œuvre. Les visages et les torses sont magnifiquement rendus, tout comme les plis des vêtements. Les poses et expressions naturelles et significatives du groupe sont inégalées, même dans les peintures finies de da Vinci.


Léonard de Vinci Vierge à l'enfant avec sainte Anne et un agneau.

Leonardo a choisi le sujet de Sainte Anne à son retour à Florence de Milan en 1500. L'œuvre montre clairement le sfumato style mis au point par l'artiste et est basé sur un dessin antérieur de La Vierge à l'Enfant avec St Anne et St John qui est maintenant à la National Gallery de Londres.

La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne et un agneau v. 1508, huile sur panneau de bois, 166x112cm, Louvre Paris. (s)

Le sujet de Marie et de l'enfant Jésus était un thème populaire dans de nombreuses peintures de la Renaissance. Dans cette œuvre, Léonard montre Marie tendant la main à son fils (Jésus) qui à son tour tend la main vers l'agneau.

Mary est assise sur les genoux de sa mère (Sainte Anne) qui veille sur sa fille et son petit-fils, complétant une trinité de générations au sein de la même famille. La composition est construite&# xa0sur une savante combinaison de triangles formés par la posture de la Vierge, la main sur la hanche de St Anne, et l'entrelacement de l'enfant et de l'agneau, superbe!! 

Les trois croquis d'enfants ci-dessus proviennent d'une seule feuille de dessins que Léonard a fait pour l'Enfant Jésus dans la peinture de la Vierge et l'Enfant ci-contre.

Académie de Venise, craie rouge.

La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne et saint Jean. c. 1508 Fusain sur papier brun, 139x101cm. National Gallery, Londres (s)

Une caricature de Léonard (sur le même sujet) a été si bien accueillie lors de sa présentation à Florence qu'elle a incité l'historien de l'art Vasari à écrire :

« Des hommes et des femmes, jeunes et vieux, ont continué pendant deux jours à se presser dans la salle où il était projeté, comme s'ils assistaient à une fête solennelle. »

Il y a un débat sur le dessin animé que Vasari décrivait et les arguments continuent sur la possibilité de plus d'une copie de Leonardo. Indépendamment de ce débat, le dessin ci-dessus et la peinture du Louvre restent de beaux exemples de l'habileté et du savoir-faire de l'artiste.


Freud a analysé le subconscient de Léonard de Vinci à travers son tableau "La Vierge & Enfant avec Sainte Anne"

Ce n'est ni une nouvelle ni un mystère que Léonard de Vinci a joué avec des messages et des symboles cachés dans ses peintures. Selon quelques historiens de l'art et d'autres spécialistes, certaines des peintures les plus célèbres de da Vinci telles que La Cène et Madonna on the Rocks révèlent les vues individuelles de l'artiste sur la religion.

Alors que selon Martin Lunn (auteur de Code Da Vinci décodé), avec la peinture de Mona Lisa, Da Vinci a brisé « les conventions de l'époque » en ce qui concerne l'absence de bijoux et la posture détendue de son sujet, Sigmund Freud, qui a observé le travail de différents artistes pour psychanalyser leur subconscient, a affirmé que La Vierge à l'Enfant avec sainte Anne de Vinci révèle son désir homosexuel refoulé.

Sigmund Freud, le fondateur de la psychanalyse.

Freud a utilisé la méthode consistant à examiner les peintures et à trouver différents symboles que les artistes ont peints, consciemment ou inconsciemment.

Quoi qu'il en soit, il ajouterait plus tard un sens à ces symboles sur la base de détails trouvés dans diverses cultures anciennes et les analyserait comme une expression du subconscient de l'individu.

Léonard de Vinci – Vierge à l'Enfant avec sainte Anne

Da Vinci a peint La Vierge à l'Enfant avec sainte Anne vers 1503, et aujourd'hui on peut la voir au musée du Louvre à Paris.

Il représente l'enfant Jésus gardé dans les bras de la Vierge Marie alors qu'elle est paisiblement assise sur les genoux de sa mère, sainte Anne.

Portrait de Léonard de Vinci.

La Vierge Marie tend la main vers son enfant, le tenant par la taille, tandis que Jésus caresse un agneau. Pour que la théorie de Freud soit plus relative, il faut prendre en considération que les figures bibliques dans les peintures historiques ne sont jamais peintes au hasard.

La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne, Louvre, Paris, France. Photo de Sailko
CC BY 3.0

Leurs positions sont toujours des allusions à la vie des personnages et diverses métaphores chrétiennes. Par exemple, l'agneau dans la peinture peut être facilement interprété comme un symbole d'innocence et de sacrifice de Jésus pour l'humanité. L'agneau lui-même est un symbole de sacrifice et Jean-Baptiste a qualifié Jésus de « Agneau de Dieu ».

Le « vautour » identifié par Freud

D'un autre côté, il est quelque peu inhabituel que la Vierge Marie soit représentée sur les genoux de sainte Anne. Freud l'a vu comme assez intéressant pour l'examen psychanalytique et l'a nommé "Leonardo da Vinci et la mémoire de son enfance".

Vidéo connexe : exposition de dessins fascinants de Da Vinci

Selon Freud, lorsque le tableau est tourné de côté, la forme des vêtements de Marie illustre un oiseau, probablement un vautour. Il interprète l'image d'un vautour comme un symbole pour une mère, enracinant sa théorie dans le fait que le terme "mère" dans l'Egypte ancienne était représenté avec le symbole d'un vautour. Par conséquent, il l'a analysé comme le désir homosexuel refoulé de Léonard de Vinci, déclenché par son faible souvenir d'avoir allaité le sein de sa mère.

Détail – Christ avec l'Agneau

Freud a également examiné un ensemble d'écrits et de dessins de da Vinci connus sous le nom de Codex Atlanticus où l'artiste a écrit sur un souvenir de petite enfance d'un vautour l'attaquant dans son berceau. Ainsi, Freud considère les illustrations de la queue de vautour et de la bouche d'un bébé comme un allaitement forcé possible au-delà de l'âge approprié.

Reproduction du célèbre tableau de Léonard de Vinci ‘La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne’. Photo du Père Latreille CC BY-SA 3.0

Une autre observation de Freud concernant la représentation du subconscient de Léonard de Vinci dans La Vierge à l'Enfant avec sainte Anne est que dans l'illustration de deux femmes (toutes deux dans le rôle d'une mère), Da Vinci a représenté ses deux mères. En fait, l'artiste a d'abord été élevé par sa mère biologique, puis adopté par la femme de son père.

Le psychanalyste considérait son essai « Léonard de Vinci et la mémoire de son enfance » comme l'une des plus belles œuvres qu'il ait jamais écrites. Cependant, au fil des ans, les théories de Freud ont été remises en question et contestées par de nombreux scientifiques comme étant extrêmes. Il a toujours eu tendance à voir une sexualité cachée ou refoulée. Et même si son travail est vraiment excellent, il peut difficilement être considéré comme une preuve de l'inconscient de Léonard de Vinci.


Perfection inachevée

Pouvons-nous appeler quelque chose à la fois inachevé et parfait ? Il n'est pas difficile de dire oui si la chose est littéraire (Spenser "The Faerie Queene") ou même musicale (Schubert "Unfinished" Symphony). Avec la peinture, la question est plus difficile à répondre. Permettez-moi de suggérer au moins un candidat pour la perfection inachevée.

Un musée débordant de chefs-d'œuvre et de visiteurs ébahis peut défier quelqu'un qui veut regarder des images. Mais la patience est une vertu. Prenez le Louvre. Derrière une vitre pare-balles et une longue corde pend la Joconde, impossible de bien voir à travers la foule de touristes munis d'appareils photo, qui se précipitent, prennent leurs photos pour prouver qu'ils ont été là, puis partent.

Léonard de Vinci (1452-1519) était un célèbre peintre lent, et peu d'œuvres finies survivent. Mais une fois que vous quittez la salle où est enchâssée la Joconde, vous vous retrouvez dans la Grande Galérie, toujours bondée mais moins claustrophobe, et en présence de cinq autres tableaux de Léonard. Les touristes s'arrêtent un instant, mais vous pouvez vous en approcher et profiter de la solitude (relative). Le premier est probablement de l'atelier de Léonard, pas entièrement de la main du maître : saint Jean-Baptiste, ou peut-être Bacchus, dont le doigt levé est un symbole chrétien, mais dont le thyrse, les feuilles de vigne et la peau de panthère sont clairement païens. La suivante est l'élégante dame "La Belle Ferronière". Puis la fameuse "Vierge aux Rochers", avec son décor mystérieux et son éclairage clair-obscur. Puis un autre Saint-Jean androgyne avec le doigt pointé vers le haut.

Puis, le chef-d'œuvre : "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne", commencé probablement en 1500. Léonard y a travaillé à la fois à Milan et à Florence, et l'a gardé avec lui (comme il a fait la Joconde) jusqu'à sa mort. Inachevé, il offre toujours une expérience esthétique totale en termes de design, de forme, de couleur et de drame humain. (Pour prendre sa mesure, vous pouvez consulter une étude préparatoire à la National Gallery de Londres, "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne et saint Jean-Baptiste.")

Clive Bell, le beau-frère de Virginia Woolf, a inventé l'expression « forme significative » en 1914 et, avec Roger Fry, un autre habitant de Bloomsbury, a popularisé l'idée que la forme elle-même peut transmettre et produire des sentiments. L'image de Léonard, en particulier sa géométrie humaine, illustre sublimement une telle transmission. Léonard de Vinci a appris de Masaccio (1401-1428) à donner une masse sculpturale à des figures plates grâce aux principes de la perspective. À la technique du maître précédent, cependant, il a ajouté un humanisme qui nous semble distinctement, d'un réalisme moderne.


Sujet

Dessin préparatoire au British Museum, Londres

Le sujet du carton est une combinaison de deux thèmes populaires dans la peinture florentine du XVe siècle : La Vierge et l'Enfant avec Jean-Baptiste et La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne.

Le dessin se distingue par sa composition complexe, démontrant l'alternance dans le positionnement des personnages qui est d'abord apparente dans les peintures de Léonard de la Vierge Benois. Les genoux des deux femmes pointent dans des directions différentes, les genoux de Mary sortant du tableau vers la gauche, tandis que son corps se tourne brusquement vers la droite, créant un mouvement sinueux. Les genoux et les pieds des personnages établissent un fort rythme de haut en bas à un point de la composition où se trouve normalement une base solide comprenant des pieds fermement plantés, des genoux largement écartés et une large diffusion de vêtement enveloppant. Tandis que les moitiés inférieures de leur corps se détournent, les visages des deux femmes se tournent l'un vers l'autre, reflétant les traits de l'autre. La délimitation entre le haut du corps a perdu de sa clarté, suggérant que les têtes font partie du même corps.

Le mouvement de torsion de la Vierge trouve un écho dans l'Enfant Jésus, dont le corps, tenu presque horizontal par sa mère, tourne axialement, le bas du corps tourné vers le haut et le haut du corps tourné vers le bas. Cette posture de retournement est indiquée pour la première fois dans la peinture de Léonard de la Adoration des mages et est explorée dans de nombreux dessins, notamment les différentes études de la Vierge à l'Enfant avec un chat qui sont au British Museum.

La juxtaposition de deux ensembles de têtes est un élément de composition important. L'angle, l'éclairage et le regard de l'Enfant Jésus reproduisent celui de sa mère, tandis que Jean-Baptiste reproduit ces mêmes éléments face à Sainte Anne. L'éclairage indique qu'il y a deux protagonistes et deux acteurs de soutien dans la scène à laquelle le spectateur est témoin. Il y a un jeu subtil entre les regards des quatre personnages. Sainte Anne sourit avec adoration à sa fille Marie, indiquant peut-être non seulement la fierté maternelle mais aussi la vénération due à celle que "toutes les générations appelleront. bienheureuse".[2] Les yeux de Marie sont fixés sur l'Enfant Jésus qui lève la main en signe de bénédiction sur le cousin qui, trente ans plus tard, accomplira la tâche qui lui a été confiée de baptiser Jésus. Bien que l'aîné des deux enfants, Jean-Baptiste accepte humblement la bénédiction, comme celui qui dira plus tard de son cousin "Je ne suis même pas digne de défaire ses sandales". [3] La main de sainte Anne, son index pointé vers le Ciel, est positionnée près de la tête des enfants, peut-être pour indiquer la source originelle de la bénédiction. Ce geste énigmatique est considéré comme typiquement léonardesque, se produisant dans le Dernière Cène et Saint Jean-Baptiste.

Les caricatures de ce type étaient généralement transférées sur une planche pour être peintes en piquant ou en incisant le contour. Dans la Vierge à l'Enfant avec sainte Anne et saint Jean-Baptiste cela n'a pas été fait, suggérant que le dessin a été conservé comme une œuvre d'art à part entière. [4] Léonard ne semble pas avoir basé une peinture directement sur ce dessin. La composition diffère du seul autre traitement de Léonard sur le sujet, La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne au Louvre, où la figure du Baptiste n'est pas présente. Une peinture basée sur le dessin animé a été réalisée par un élève de Léonard de Vinci, Bernardino Luini, et se trouve maintenant à la Biblioteca Ambrosiana de Milan. [5] La figure de Pomona dans la peinture de Francesco Melzi Pomone et Vertumne à Berlin est basé sur la Vierge du dessin animé.


Sainte Anne

Selon la tradition chrétienne apocryphe, sainte Anne était la mère de Marie et la grand-mère de Jésus. La mère de Marie n'est pas nommée dans les évangiles.

Le nom d'Anne vient des apocryphes du Nouveau Testament, dont l'Évangile de Jacques, écrit peut-être vers 150, semble être la première mention.

Les apocryphes du Nouveau Testament sont des écrits des premiers chrétiens qui rendent compte de Jésus et de ses enseignements, de la nature de Dieu ou des instructions de ses apôtres et de leur vie.

Certains de ces écrits avaient été cités comme écritures par les premiers chrétiens, mais depuis le cinquième siècle, un consensus a émergé, limitant le Nouveau Testament aux 27 livres du canon moderne.

Les églises catholiques romaines, orthodoxes orientales et protestantes ne considèrent généralement pas ces apocryphes du Nouveau Testament comme faisant partie de la Bible.

Anne (arabe : Ḥannah) est également vénérée dans l'Islam, reconnue comme une femme hautement spirituelle et comme la mère de Marie.


Une analyse de "Madonna of the Meadow" et "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne"

Les images en sont venues à être adoptées par la société dans une perspective plus large. Leur utilisation est devenue plus répandue ces dernières années par rapport à ce qu'elle était il y a quelques décennies. Diverses technologies qui ont été adoptées par la société ont joué un rôle important dans cette réalisation. On s'attend à ce que l'utilisation profonde des images continue de prendre de l'ampleur dans les années à venir.

Les images ont tendance à jouer divers rôles et fonctions dans la société. Certains rôles ont tendance à être complexes par rapport à d'autres. Certains peuvent être utilisés pour décrire des événements, transmettre des connaissances ou présenter un morceau d'histoire parmi d'autres (Gombrich, 2009). En ce qui concerne l'aspect historique, les images aident à préserver les souvenirs de l'apparence de certaines choses. Les gens de la génération actuelle n'existaient pas pendant ces périodes mais peuvent s'identifier à certaines histoires. Ils ont la capacité de dire à quoi ressemblaient certains individus, structures, empires éminents en raison des images présentées à propos de ces choses. Cela donne aux gens l'impression de faire partie d'une lignée, qu'ils s'efforceront de préserver en conséquence. Avoir quelque chose en commun aide à créer des liens positifs qui font de la société un endroit favorable (Mukundan & Ramakrishnan, 1998). En ce qui concerne la connaissance, les images sont généralement utilisées comme moyen de transmission d'informations. En observant un certain morceau d'image, les gens peuvent en déduire plusieurs choses. Parfois, il devient plus facile pour les gens de comprendre certaines choses à travers l'expression d'images plutôt que de mots. Cela est dû à la représentation visuelle du contenu impliqué.

Les rôles et fonctions d'une image dans la plupart des cas sont déterminés par le contexte dans lequel l'image a été construite. Une image développée dans le contexte de l'histoire finira par jouer un rôle différent de celui développé dans un contexte commercial ou scientifique.

L'image ci-dessus représente "Madonna of the Meadow" de Raphaël. L'image a été discutée et analysée par plusieurs auteurs. Les auteurs ont tendance à avoir des descriptions similaires sur certains aspects tandis que dans d'autres, ils ont tendance à avoir des points de vue différents. Parmi les descriptions qui semblent avoir une interprétation similaire chez plusieurs auteurs, il y a la présentation d'un triangle sur l'image envisageant Marie, Jean et Jésus. Honor & Fleming (2005) affirment que la formation de la pyramide est une représentation de quelque chose de fort. Cela ressemble à un lien qui n'est pas facile à rompre, et dont le but doit être rempli. Brown & Pagden (2006), d'autre part, décrivent également l'arrangement triangulaire comme une représentation de l'ordre et de la stabilité. Cela montre que les individus impliqués sont enracinés et prêts à réaliser le but souhaité. Honor & Fleming (2005), Brown & Pagden (2006) et Mukundan & Ramakrishnan (1998) analysent également la présence de la croix comme une indication des choses à venir. C'est une manière pour Jean de bénir Jésus et de le préparer pour l'avenir qui l'attend. Honor & Fleming (2005) postulent que l'aspect de Marie étant pieds nus est une indication qu'elle marche sur une terre sainte. Il poursuit en affirmant que les trois fleurs rouges sur le côté gauche de Marie sont répandues et liées aux personnes du tableau. Il affirme qu'ils représentent la sainte trinité. Mukundan & Ramakrishnan (1998) d'autre part, semble avoir une analyse contrastée. Il postule que l'image de Marie, Jean et Jésus dans la géométrie triangulaire est la représentation de la sainte trinité. Les vêtements de Marie agissent également comme un symbolisme chrétien. La couleur bleue représente le ciel tandis que le rouge représente la mort de Jésus (Brown & Pagden, 2006). Elle engloutit la rédemption qui va s'actualiser grâce au sacrifice que Jésus va entreprendre pour restaurer le bien-être des chrétiens jusqu'à l'éternité. Mukundan & Ramakrishnan (1998) décrivent également l'arrière-plan de la ville comme une essence de tension qui rappelle aux spectateurs les dangers possibles qui attendent Jésus et Jean.

Cette image a été développée vers 1506. Le contexte de l'image dans la période actuelle n'a aucune différence avec la façon dont elle était perçue pendant sa période de production. C'est parce qu'il a agi comme un symbolisme chrétien. C'était une façon de montrer l'émergence de Jésus sur terre et sa mission de sauver les chrétiens par sa mort et sa résurrection. Deux personnes qui ont joué un rôle essentiel dans cet événement ont été représentées dans l'image. C'est de la même manière que cette image est vue par les chrétiens du monde entier. Cependant, il existe des différences concernant le contexte de l'art entre ces deux périodes. L'image a été produite pendant la renaissance de l'art en Europe. La transition qui s'opérait à l'époque a fait de cette image une image unique en son genre. Il avait une immense fascination sur les yeux des gens qui le voyaient. Cependant, les circonstances sont bien différentes dans la période actuelle. L'émergence de la technologie a permis aux gens de voir d'autres images à couper le souffle, ce qui fait que celle-ci ne semble pas très impressionnante. Dans ce contexte, on a tendance à oublier la période où l'image s'est développée pour se rendre compte de sa grandeur.

L'image ci-dessus est une représentation de "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne" de Léonard de Vinci. Il a été développé pendant la période de la Renaissance et a donc attiré l'opinion de différentes personnes. Différents auteurs ont discuté et analysé l'image en fonction de perspectives différentes. Une description commune parmi divers auteurs est la représentation triangulaire sur l'image. Surhone (2010) affirme que le triangle est utilisé pour représenter le lien familial qui existe entre les trois personnages impliqués. Marie est tenue par sa mère qui, stagiaire, vise à s'emparer de son fils Jésus. Pye (2015) étend cette analyse comme une indication de la sainte trinité. C'est parce que l'image représente trois personnages qui sont liés les uns aux autres, et ils ont un lien très fort (famille) entre eux. Indépendamment de tout événement, ils resteraient toujours une famille en raison des liens du sang. L'aspect familial sur l'image est également élaboré à travers les démonstrations d'affection et de tendresse représentées dans l'image (Pye, 2015). Sainte Anne montre une attitude plus sobre par rapport à Marie qui est engloutie par un ravissement d'amour maternel. Mukundan & Ramakrishnan (1998) décrit également l'image comme un symbolisme chrétien. Il combine deux thèmes catholiques canoniques. Parmi eux, la rencontre des générations illustrée par l'enfant, la mère et la grand-mère apparaissant ensemble. L'autre se manifeste par la notion de passion et de sacrifice. Ces aspects sont attribués à Jésus en raison de l'agneau qu'il tient. L'agneau représente un aspect de l'innocence. Cet aspect est commémoré par Jean-Baptiste lorsqu'il a fait référence à Jésus comme à « l'Agneau de Dieu ». Surhone (2010) rappelle que l'image illustre trois techniques picturales. Ils comprennent la perspective aérienne, le clair-obscur et le sfumato. La perspective aérienne est démontrée en montrant la distance par le contraste des couleurs et des tons. Le clair-obscur est démontré par l'utilisation de l'obscurité et de la lumière pour créer des effets de modelage et de relief. Sfumato, quant à lui, aide à définir des formes en utilisant des gradations claires et sombres. Mukundan & Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) et Pye (2015) décrivent l'aspect de Marie assise sur les genoux d'Anne d'une manière similaire. Ils le considèrent comme un aspect inhabituel. Ce que Leonardo voulait démontrer n'est pas clair.

Le contexte de l'image ne peut être considéré comme différent dans la période actuelle par rapport à l'époque où elle a été développée. La façon dont les gens ont interprété l'image pendant sa période de production a tendance à rester constante. C'est parce que l'objectif avec lequel il a été développé n'a pas changé. Il dépeint toujours un aspect similaire. Ce qui a peut-être changé, ce sont les critiques qui tournent autour de l'image. L'image a été développée pendant la période de la Renaissance. C'était le renouveau du monde de l'art. Cela signifiait que les gens considéraient les images comme étant spectaculaires car ils n'avaient pas vu de tels aspects dans le passé. L'attribut limite les actes de critiques puisqu'il n'existe pas de nombreuses images avec lesquelles comparer. Ce cas est différent dans la période actuelle. Il y a l'émergence de différents types d'images et de technologies utilisées pour développer ces images. En conséquence, beaucoup de critiques envers cette image existeraient dans la période actuelle.

Les deux images "Madonna of the Meadow" et "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne" ont des attributs similaires. Ces attributs sont utiles lors de la discussion des images en ce qui concerne les théories englobant ce qu'est une image. Pour commencer, une image peut être qualifiée de représentation externe d'une personne (Gombrich, 2009). Cet aspect est évident dans les deux images où des objets sont représentés. Les utilisateurs des images ont tendance à obtenir plus d'informations sur les images en observant les objets affichés. Une image est également censée agir comme une métaphore ou une comparaison (Gombrich, 2009). Les images ci-dessus ont actualisé cet aspect en agissant comme un symbolisme chrétien. Différents auteurs ont largement discuté de cet aspect. Les images ont également démontré l'utilisation de différentes techniques. Ceci est attendu de toute image afin que les utilisateurs puissent saisir ce que l'artiste impliqué essayait d'élaborer. Parmi les techniques impliquées dans les images ci-dessus, citons la perspective aérienne, le clair-obscur et le sfumato. Les techniques aident à démontrer le ton et la couleur, entre autres.

Mukundan, R., & Ramakrishnan, K., 1998. Fonctions de moment dans l'analyse d'images : théorie et applications. Singapour : World Scientific.

Gombrich, E., 2009. Les usages des images : Etudes de la fonction sociale de l'art et de la communication visuelle. Londres : Phaidon.

Brown, D., & Pagden, S., 2006. Bellini, Giorgione, Titian et la Renaissance de la peinture vénitienne. Washington : Galerie nationale d'art.

Honour, H., & Fleming, J., 2005. Une histoire mondiale de l'art (7e éd.). Londres : Laurence King.

Mukundan, R., & Ramakrishnan, K., 1998. Fonctions de moment dans l'analyse d'images : théorie et applications. Singapour : World Scientific.

Pye, C., 2015. La tempête en mer : L'esthétique politique au temps de Shakespeare. New-York : 9780823265046.

Surhone, L., 2010. La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, peinture à l'huile, Leonardo da Vinci, Sainte Anne, Marie, Enfant Jésus, Santissima Annunziata Florence. Gran Bretagna : édition Betascript.


La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne

L'image ci-dessus est une représentation de "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne" de Léonard de Vinci. Il a été développé pendant la période de la Renaissance et a donc attiré l'opinion de différentes personnes. Différents auteurs ont discuté et analysé l'image en fonction de perspectives différentes. Une description commune parmi divers auteurs est la représentation triangulaire sur l'image. Surhone (2010) affirme que le triangle est utilisé pour représenter le lien familial qui existe entre les trois personnages impliqués. Marie est tenue par sa mère qui, stagiaire, vise à s'emparer de son fils Jésus. Pye (2015) étend cette analyse comme une indication de la sainte trinité. C'est parce que l'image représente trois personnages qui sont liés les uns aux autres, et ils ont un lien très fort (famille) entre eux. Indépendamment de tout événement, ils resteraient toujours une famille en raison des liens du sang. L'aspect familial sur l'image est également élaboré à travers les démonstrations d'affection et de tendresse représentées dans l'image (Pye, 2015). Sainte Anne montre une attitude plus sobre par rapport à Marie qui est engloutie par un ravissement d'amour maternel. Mukundan & Ramakrishnan (1998) décrit également l'image comme un symbolisme chrétien. Il combine deux thèmes catholiques canoniques. Parmi eux, la rencontre des générations illustrée par l'enfant, la mère et la grand-mère apparaissant ensemble. L'autre se manifeste par la notion de passion et de sacrifice. Ces aspects sont attribués à Jésus en raison de l'agneau qu'il tient. L'agneau représente un aspect de l'innocence. Cet aspect est commémoré par Jean-Baptiste lorsqu'il a qualifié Jésus de « Agneau de Dieu ». Surhone (2010) rappelle que l'image illustre trois techniques picturales. Ils comprennent la perspective aérienne, le clair-obscur et le sfumato. La perspective aérienne est démontrée en montrant la distance par le contraste des couleurs et des tons. Le clair-obscur est démontré par l'utilisation de l'obscurité et de la lumière pour créer des effets de modelage et de relief. Sfumato, quant à lui, aide à définir des formes en utilisant des gradations claires et sombres. Mukundan & Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) et Pye (2015) décrivent l'aspect de Marie assise sur les genoux d'Anne d'une manière similaire. Ils le considèrent comme un aspect inhabituel. Ce que Leonardo voulait démontrer n'est pas clair.

Le contexte de l'image ne peut être considéré comme différent dans la période actuelle par rapport au moment où elle a été développée. La façon dont les gens ont interprété l'image pendant sa période de production a tendance à rester constante. C'est parce que l'objectif avec lequel il a été développé n'a pas changé. Il dépeint toujours un aspect similaire. Ce qui a peut-être changé, ce sont les critiques qui tournent autour de l'image. L'image a été développée pendant la période de la Renaissance. C'était le renouveau du monde de l'art. Cela signifiait que les gens considéraient les images comme étant spectaculaires car ils n'avaient pas vu de tels aspects dans le passé. L'attribut limite les actes de critiques puisqu'il n'existe pas de nombreuses images avec lesquelles comparer. Ce cas est différent dans la période actuelle. Il y a l'émergence de différents types d'images et de technologies utilisées pour développer ces images. En conséquence, beaucoup de critiques envers cette image existeraient dans la période actuelle.

Les deux images "La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne" et "Madonna of the Meadow" ont des attributs similaires. Ces attributs sont utiles lors de la discussion des images en ce qui concerne les théories englobant ce qu'est une image. Pour commencer, une image peut être qualifiée de représentation externe d'une personne (Gombrich, 2009). Cet aspect est évident dans les deux images où des objets sont représentés. Les utilisateurs des images ont tendance à obtenir plus d'informations sur les images en observant les objets affichés. Une image est également censée agir comme une métaphore ou une comparaison (Gombrich, 2009). Les images ci-dessus ont actualisé cet aspect en agissant comme un symbolisme chrétien. Différents auteurs ont largement discuté de cet aspect. Les images ont également démontré l'utilisation de différentes techniques. Ceci est attendu de toute image afin que les utilisateurs puissent saisir ce que l'artiste impliqué essayait d'élaborer. Parmi les techniques impliquées dans les images ci-dessus, citons la perspective aérienne, le clair-obscur et le sfumato. Les techniques aident à démontrer le ton et la couleur, entre autres.

Surhone, L., 2010. La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, peinture à l'huile, Leonardo da Vinci, Sainte Anne, Marie, Enfant Jésus, Santissima Annunziata Florence. Gran Bretagna : édition Betascript.

Pye, C., 2015. La tempête en mer : L'esthétique politique au temps de Shakespeare. New-York : 9780823265046.


Version Louvre

The Virgin of the Rocks which usually hangs in the Louvre is considered by most art historians to be the earlier of the two and date from around 1483-1486. Most authorities agree that the work is entirely by Leonardo. It is about 8 cm (3 in) taller than the London version. The first certain record of this picture is in 1625, when it was in the French royal collection. It is generally accepted that this painting was produced to fulfill a commission of 1483 in Milan. It is hypothesized that this painting was privately sold by Leonardo and that the London version was painted at a later date to fill the commission. There are a number of other theories to explain the existence of two paintings. This painting is regarded as a perfect example of Leonardo's "sfumato" technique.


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BY THE time Leonardo da Vinci died in 1519, he had been working on his painting of St Anne for 20 years and still was not quite finished with it. Nevertheless "The Virgin and Child with Saint Anne" consistently attracted the interest of other artists. The subject of St Anne, the Virgin Mary and the infant Jesus was far from new. But its treatment had been static, like an icon. Leonardo's portrait of grandmother, mother and child was full of movement and emotion. It is now one of the most cherished masterpieces in Western art.

A monumental Anne sits with her adult daughter perched on her lap. Mary reaches out trying to keep a grip on Jesus who is half-straddling a lamb. One can talk about the painting's technical virtuosity, the forcefulness of its triangular composition, the way the dreamy jagged background contrasts with the scrubbland on which the figures rest. These elements all contribute to the work's greatness. But what has made viewers take it to their hearts is Leonardo's evocation of a subject that is at once universal and not of this earthly world—the love and tension between generations and also between humanity and the divine.

Not everyone has been a mother, but each of us was once a child. The viewer, therefore, has an intuitive connection with the people in the painting. We see a benign, even indulgent grandmother giving physical support to her daughter. Emotionally, however, she ignores Mary and gazes at her adorable and adored grandson. Mary has the disturbed expression of a mother worried over her wilful little boy. The infant looks back to his mother, as if to reassure her, but he will not abandon the lamb. It is as if Anne accepts what Mary has not yet been able to, that Jesus is the sacrificial lamb, the Lamb of God.

One need not be Christian to be moved by this work. So many have been unnerved by the Louvre's announcement that “Saint Anne” was going to be cleaned and restored. Would this beloved, magical work be damaged or even destroyed in the name of “improving” it?

The cleaning and restoring of “Saint Anne” got underway in 2010, overseen by an international scientific committee of 20 specialists. It was completed early this year, and the Louvre has duly mounted a celebratory show. The first half of the exhibition features archival material, including Leonardo's notebooks, sketches and preparatory drawings—among them 22 loans from the Royal Collection in Windsor—which convey his thoughts about the composition. Then comes “Saint Anne”, joined by the large and beautiful “Burlington House Cartoon”. For the first time London's National Gallery has lent this 141.4 by 104.6 cm (55”x41.2”) preparatory drawing clearly it would not be Leonardo's last as it has the young John the Baptist in place of the lamb. Three additional paintings by Leonardo are also on view (but the Mona Lisa remains upstairs where as usual she draws crowds to the Italian painting galleries).

The second half of the Louvre show considers the influence Leonardo's “Saint Anne” has had on other artists, from those who worked in his studio to Michelangelo to Odilon Redon. Wonderful as some of these works are, after seeing Leonardo's versions in paint and charcoal, what follows feels like a tailing off.

This is an exciting, illuminating exhibition. It is also one with a rocky history. At the end of last year two highly esteemed members of the scientific committee overseeing the restoration of “St Anne” resigned. Jean-Pierre Cuzin, previously the Louvre's director of paintings, and Ségolène Bergeon Langle, its former director of conservation, did not make public their reasons. However, it is widely believed that they felt the cleaning had gone too far. It would not be the first time. To this viewer “Saint Anne” looks marvellous. The Virgin's voluminous wrap seems spun out of lapis lazuli and summer clouds. Come to your own conclusions. If you cannot see the show, do not fret. After it closes “Saint Anne” will be back on permanent view upstairs.


Voir la vidéo: La Vierge à lEnfant avec sainte Anne


Commentaires:

  1. Mac An Bharain

    Il est dommage que je ne puisse pas participer à la discussion maintenant. Très peu d'informations. Mais je serai heureux de suivre ce sujet.

  2. Perekin

    Ce sujet est tout simplement incomparable :), je l'aime beaucoup.

  3. Sal

    Tu as tout à fait raison. Dans ce rien là-dedans et je pense que c'est une très bonne idée. Je suis d'accord avec toi.

  4. Mooguzil

    Bonne question

  5. Etienne

    Je suis définitif, je suis désolé, mais cette réponse ne me convient pas. Peut-être existe-t-il encore des variantes ?

  6. Pierson

    C'est dommage, que maintenant je ne peux pas exprimer - il n'y a pas de temps libre. Mais je reviendrai - j'écrirai forcément ce que je pense sur cette question.



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